25 Años De... The Strokes: Is This It (2001)

 "Mirada hacia el pasado con descaro y talento..."

Para hablar del fenómeno que generó este disco hay que recordar en qué estaba el rock a comienzos de siglo, con una escena que oscilaba entre el nu metal y algunas bandas de melosas baladas (dígase, Coldplay, Travis y similares). Se percibía en el ambiente la necesidad de encontrar un punto medio, algún sonido que enganchase a la juventud desde un lugar que no fuese la rabia, que invitase a pasar un buen rato, algo que sonara divertido y contagioso, digamos, algo similar a lo que sucedió con el brit pop como respuesta al grunge durante los 90s. Y aquello lo trajeron The strokes con su debut, un disco que si lo miramos a distancia, hizo la lógica: mirar hacia atrás sin miedo, con talento y originalidad, volcándose de lleno a las guitarras sucias del post punk pero de la mano de un conjunto de canciones sencillas, melosas, controladas, bien ejecutadas y que apuestan más bien por minimalismo en términos de producción. El resultado no pudo ser más efectivo e hizo historia, marcando el camino para un montón de otras bandas durante el resto de la década. 

Las canciones que componen por tanto este Is this it no destacan en absoluto por desarrollar estructuras complejas (todas rondan los dos a tres minutos), ni siquiera por interpretaciones demasiado apasionadas (sin ir muy lejos, el registro de Julian Casablancas pareciese el de un tipo que está cantando con desgano), sin embargo, en la producción está la magia pues el disco aún en su sencillez contó con un sonido llamativo, cierta saturación en las guitarras de Albert Hammond Jr. y voces, lo cual le entregó vida particular al álbum. Lo anterior se percibe de inmediato cuando 'Is this it' (la canción) introduce la atmósfera del disco, una canción que avanza a su ritmo (lento, espeso), casi como si entrase caminando a una sala, esto para luego soltar algo más de energía con todo un neo clásico como 'The modern age', un tema que acelera los tiempos e introduce ágiles guitarrazos, aunque ojo al punto: siempre de manera controlada, pues incluso en sus momentos más dinámicos la canción jamás parece desatarse demasiado, algo que también ocurrirá más adelante en 'Soma', 'Barely legal' o 'Alone, together', siendo el cierre a cargo de 'Take ir or leave it' el único momento en todo el disco en donde la banda parece "chasconearse" un tanto. De hecho, el resto del álbum destacará fuertemente por los aspectos melódicos que regala, me refiero a pasajes simples pero simpáticos y tremendamente juveniles que se viven en 'Someday, 'Last nite' o 'Hard to explain'. 

Mirado a distancia, cabe la reflexión: ¿Marcaron The strokes el comienzo del fin de la era dorada del rock? Me explico: hasta el año 2000 todos los movimientos que se venían desarrollando en la industria miraron hacia adelante, en los 70s, 80s y 90s todo fue originalidad y apertura, sin embargo, Is this it es un disco que mira con descaro al sonido de veinte o treinta años atrás, haciéndolo propio y trayéndolo al presente con talento. Y si bien el éxito de este álbum podríamos afirmar que le permitió al rock sobrevivir por al menos una década más, no es menos cierto que dentro del mainstream la sensación de que "ya todo estaba hecho" comenzó a volverse cada vez más patente. Nada de lo anterior le resta méritos a este disco, uno que solo necesito media hora para mover la aguja por completo dentro de la escena y pasar así directo a la historia moderna como todo un neo clásico...

¿Canciones? 'The modern age', 'Las nite' y 'Hard to explain'.

9/10
Brillante.

Otras reseñas de The Strokes:

2020: The new abnormal

2013: Comedown machine

20 Años De... Björk: Vespertine (2001)

 "El desmarque definitivo..."

Dicen que el primer paso es el más difícil de todos, aquel que marca una nueva dirección a seguir y rompe con el pasado. En dicho sentido, Homogenic fue claramente el primer paso hacia la emancipación de Björk, una obra maestra en donde la islandesa abrió aguas cortando con el pop de sus inicios, tanteando nuevos terrenos entre atmósferas densas, oscuras e íntimas para lograr así expandir su universo. Ahora, si el de 1997 fue el eslabón inicial, cuatro años más tarde Vespertine acabó por desatar el definitivo desmarque, aquel punto de no retorno para una artista dispuesta a hacer algo que muy pocos (en la vida) están dispuestos a hacer: volver a comenzar. Porque digámoslo como lo que es: la Björk post Verpertine tiene poco y nada que ver con la pre, es prácticamente otra artista la que acá inicia una carrera (la prueba está en las pocas canciones de sus primeros dos álbumes que la vocalista interpreta a día de hoy en sus shows en vivo), una con aspiraciones artísticas completamente diferentes y ciertamente alejada de la atención mediática.

Para comprender esto último cabe mencionar el contexto que rodea la producción de Vespertine. ¿Desde donde venía Björk? Del reconocimiento transversal de la crítica ante Homogenic, su comentado (y polémico) trabajo junto a Lars Von Trier en Dancer in the dark (que incluyó además una banda sonora fantástica interpretada por la islandesa) y el posterior bullying masivo tras la gala de los Oscar (donde se vistió de cisne). Toda una vorágine, demasiado para una personalidad introvertida. Sin embargo, en medio de todo aquello es que inicia su relación con el afamado artista Matthew Barney (compañero de vida durante los casi quince años posteriores) por lo que se comprende el que la islandesa decidiese internarse (aún más) en si misma y en dicha relación, expresando su momento mediante un álbum que expande el sonido de Homogenic, llevándolo a otro lugar, uno que se aleja ya por completo de las estructuras pop, trabajando una electrónica minimalista que funciona como un verdadero viaje, un trance continuo. 

En cuanto a temáticas el álbum también tiene su línea. Y es que si cuatro años atrás Björk abordaba el amor desde la pérdida e incluso la rabia, en Vespertine abraza el sentimiento en estado puro e íntimo, cómo alguna vez expresó Peter Gabriel (en 'Red rain' de 1986): "Defensas abajo, con la confianza de un niño...". Tal cual. Björk se entrega por completo, y en paralelo, tanto a su relación de pareja como a si misma, asunto que se expresa con total claridad en la inicial 'Hidden place', una delicada invitación a sumergirse en la esperanza que se encuentra con la llegada del enamoramiento ("Desde el más cálido cordón / Tu amor me fue enviado /  No estoy segura en qué hacer con el / Ni donde ponerlo..."), esto enmarcado en un sonido tremendamente sutil, que se mueve entre micro beats + arreglos orquestales, ideas que volverán a tratarse más adelante en cosas como 'It's not up to you', 'An echo a stain' o 'Sun in my mouth'. Todas inmensas.

Verdad sea dicha, el álbum es una bestialidad en materia de arreglos. Hay canciones que serán pura delicadeza, donde instrumentos como el arpa adoptan protagonismo y la vocalista sabe encontrar varias de las mejores interpretaciones de su carrera, jugando con las intensidades en 'Pagan poetry' (con prácticamente el único momento explosivo que encontramos en el álbum), en la hermosa 'Aurora', o yendo muy abajo en las atmósferas, como ocurre en 'Cocoon', 'Undo' (con ese llamado a rendirse ante el sentimiento, afirmando que este "no debe ser una lucha ni cuesta arriba") o en esa recta final que se vive con 'Harm of will' + 'Unison' (apabullante cierre para el álbum), temas en donde Björk es capaz de alcanzar niveles únicos de expresividad recurriendo incluso a susurros con su voz. De igual forma, cuando el disco se lanza a la exploración más dura, encuentra cosas como 'Heirloom', que funcionará a la perfección en el tándem bajo + electrónica.

El momento que encuentra Björk en Vespertine es de apertura total. Nunca sonó tan adulta, (las referencias a su sexualidad en el disco son tan poéticas como transversales) y entregada a si misma, a su crecimiento artístico y emocional. Sin embargo, lejos de proyectar un monólogo impenetrable, el álbum es tan emocional que solo puede sobrecoger. ¿Cuántos artistas han sido capaces de parir dos obras maestras incontestables al hilo? Pues he acá una. Genia absoluta. 

¿Canciones? 'Hidden place', 'Undo', 'Aurora'.

10/10
Obra maestra.

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1997: Homogenic

1995: Post

20 Años De... Muse: Origin Of Symmetry (2001)

 "Fascinante rock barroco..."

Veintiún años en realidad, pero qué más da. Aunque me haya pasado por algunos meses, nunca estará demás hablar del segundo álbum de Muse, sobre todo considerando que los ingleses han publicado música semanas atrás y prometen un álbum para 2022. 

Pero antes, comencemos haciendo historia:  En aquel entonces no era fácil verlo pero los de Matt Bellamy disfrazaban sus intenciones. Esto pues mediante un par de álbumes cargados a las guitarras, psicodelia y con vocación grandilocuente nos llevaban a creer que apostaban por ser la nueva esperanza del rock, a ser la alternativa ante un numetal que por entonces continuaba devorándose todo. El tiempo, sin embargo, acabaría demostrando que la ambición de Muse estaba puesta nada más ni nada menos que llegar a los grandes estadios y espectáculos extravagantes, donde la música más que un fin funciona como un "medio para", digamos, hacer el relevo de lo que alguna vez fue Queen o Kiss, U2 o los Rolling Stones. Y bueno, lo lograron, que eso es lo que hoy son Coldplay, Rammstein y efectivamente Muse. 

El giro definitivo llegaría en 2003/06 con la publicación de Absolution + Black holes and revelations, pero antes tuvimos a Showbiz (1999) y este Origin of the symmetry que hoy nos ocupa, dos discos que dan muestra de la búsqueda que la banda estaba desarrollando previo a que calibrasen sus recursos, dos álbumes desatados, de grandes ambiciones y exagerados como solo Matt Bellamy podía ser por aquel entonces. Basta oír la partida a cargo de 'New born' para entender lo que escribo. Una intro de piano + voz que tras minuto y medio se estrellará entre guitarras para continuar con una notable descarga de intensidad, velocidad y energía que se extiende por seis minutos, en una tendencia a la exageración que volverá a vivirse en piezas como 'Space dementia' (que abre cual pieza de música clásica y cierra entre fanfarrias, o bien avanzado el disco en la pasada por 'Micro cuts' + 'Screenager', en la primera llevando los agudos de Matt Bellamy al extremo y en la segunda bajando los tiempos entre guitarras acústicas. 

Por lo mismo, ante esta tendencia al barroquismo viene bien un complemento más breve y efectivo en canciones como 'Bliss', que entra trotando con toda su atmósfera espacial y fantástico coro, 'Hyper music' o 'Plug in baby', todos momentos en donde el formato banda de rock (guitarra + bajo + batería) luce y se toma el escenario entre estructuras directas, temas de tres minutos y coros de buen gancho. Son todas canciones perfectas para saltar y cantar en un concierto, mientras que donde se alargarán será con algo como 'Citizen erased', intentando dar con su ópera rock en siete gloriosos minutos que suben y bajan a placer. 

Como detalle estará la extensión del disco, casi una hora (55 minutos para ser exacto) que en su recta final se hace sentir. Ahí, la jugarreta de 'Feeling good' (versionada por decenas de artistas, pero original de Nina Simone allá por 1965) queda bastante bien (y ha hecho historia en esta sensual versión rock) pero cosas como 'Darkshines' o 'Megalomania' sobrecargan un álbum que de por si ya era sobre cargado. Como siempre cuando la propuesta es contundente, ocho a diez canciones habrían sido suficientes.

De todas maneras, en 2001 Muse se anotaban en Origin of symmetry como una realidad a disfrutar y vivenciar. Con el tiempo nos romperían la ilusión y dramáticamente el corazón pero de todas formas siempre quedará este álbum como muestra de lo osados que algunas vez llegaron a ser. En tiempos donde todo se volvía muy blanco o negro, Muse se planteaba como un delicioso y atractivo punto medio, aspecto que en sus siguientes dos discos intentarían explotar para luego perderse en el abismo de la intrascendencia. Pero todo aquello será motivo de futuras reseñas...

¿Canciones? 'Bliss', 'Citizen erased', 'Plug in baby'.

8,5/10

¡Excelente!

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David Bowie : Toy (2001 / 2022)

"Certera búsqueda de inspiración..."

Como si de una pieza teatral se tratase (y mucho de eso tuvo), David Bowie le dio un carácter único a su carrera al saber meterse a cada década con un traje diferente. Y si durante los noventa coqueteó con la electrónica y la oscuridad industrial mediante la pasada Black tie, white noise (1993) + 1.Outside (1995) + Earthling (1997), comenzando el Siglo XXI giró hacia un rock mucho más orgánico, natural y adulto, algo que se expresó claramente en un álbum como Heathen (2002) e incluso muchos años más tarde en lo que fue The next day (2012). Ahora, en ese notable salto creativo, un álbum como 'Hours...' (1999) funcionó como bisagra y por lo mismo quedó relegado al olvido como un disco de transición poco logrado. Sin embargo, la idea de Bowie siempre fue insistir en dicho camino, de ahí que en 2001 se metiese al estudio junto a su banda en la tarea de  recuperar una serie de canciones más o menos desconocidas de sus primeros años, básicamente el período 1964-1971 (cuando el hombre se presentaba al mundo como todo un caballero inglés). El objetivo del vocalista era conectarse con la vibra de aquellos años, recuperar inspiración reviviendo el alma de dichos temas, aunque dotándolos a la vez de una producción moderna. Y eso es lo que hizo.

En dicho sentido, Toy es efectivamente lo que llamaríamos "un disco para fans". No tanto de Bowie, sino de la música. Y es que estas canciones se enriquecen cuando hacemos el ejercicio de ir por las originales, cuando oímos lo que efectivamente Bowie logró con varias de ellas. Es el caso, por ejemplo, de 'I dig everything', 'You've got a habit of leaving me' o 'Karma man', las cuales fueron despojadas de esos arreglos ultra melosos sesenteros para adoptar un sonido mucho más áspero (aunque si, a la primera le sobra al menos un minuto). También Bowie triunfará al recuperar la energía de 'Can't help thinking about me', que además fue la canción que propició este proyecto pues la tocó junto a su banda en un VH1 Storytellers de 1999, instalando desde entonces la idea de recuperar la música de sus inicios. 

A su vez, habrán otras en donde el artista respetará la vibra de la original, básicamente porque a estas no había mucho que agregarles pues eran perfectas así como estaban. Se entiende, sin embargo, que sintiese que canciones como 'London boys', 'Conversation place' o la hermosa 'Shadow man' necesitasen otra oportunidad, pese a que su rango vocal en 2001 no fuese el misma que treinta años atrás.

Como "pero" del álbum (además de la horrible portada) cuenta el nudo de este, muy estándar y poco efectivo en toda la pasada por 'Let me sleep beside you', 'Hole in the ground' y 'Baby loves that way', aunque el asunto recuperará nivel en la notable 'Silly boy blue', que en su tono melancólico funciona perfecto como cierre junto a 'Toy (Your turn to drive)', por cierto, la única canción inédita que compuso el álbum y también la demostración de que la inspiración estaba ahí, de regreso. 

En este 2022 y con motivo de los 75 años que habría cumplido Bowie, este álbum llega a nosotros (aunque en 2011 ya se había filtrado y los fans más cercanos lo conocían). La historia oficial, sin embargo, contará que el disco fue rechazado en su momento por Virgin Records y que Bowie en lugar de dar la pelea optó por centrarse en la composición y grabación de lo que posteriormente sería Heathen (que en junio cumple 20 años por lo que espero escribir algo al respecto). Quien sabe, quizás con la sola grabación del álbum el objetivo ya se había conseguido para el artista...

¿Canciones? 'You've got a habit of leaving me', 'Shadow man', 'Can't help thinking about me' y 'Toy (your turn to drive')'

7,9 / 10

Excelente.

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2013: The next day

1997: Earthling

20 Años De... Garbage : Beautiful Garbage (2001)

 "Giro desafiante, elegante y fallido..."

Mirado a distancia, no hubo banda noventera que no sufriese el cambio de siglo, pero si alguna mereció mejor suerte, esta fue Garbage. Contextualicemos: debutaron bien en 1995 pero el prejuicio de la crítica estuvo ahí encima catalogándolos de producto artificial, una especie de jugarreta de sus integrantes (todos productores de la época). Aún así, supieron darle una vuelta a su sonido tres años más tarde mediante el fascinante Version 2.0, el cual ayudó efectivamente a que se les tomase algo más en serio. Quedaba por ver, sin embargo, si lograban en un tercer álbum dar el salto definitivo, y lo dieron... aunque el mundo apenas se enteró. Y es que los de Shirley Manson lo hicieron todo, absolutamente todo bien frente a este lanzamiento: le dieron un (nuevo) giro a su sonido, también a la estética, estuvo la actitud y las canciones. ¿Qué ocurrió entonces? Pues que un par de semanas antes del lanzamiento se produjo el ataque a las Torres Gemelas en Nueva York y todo se fue literalmente al carajo. La banda quedó estancada por un rato en Estados Unidos, sin capacidad de promocionar adecuadamente un álbum que además nadie quería oír en ese momento, un trabajo desafiante en lo estético y en cuanto arreglos pero que quedaría en tierra de nadie ante dicho contexto.

Los problemas, además, habían comenzado mucho antes. Shirley Manson se encontraba en pleno proceso de divorcio cuando decidió encerrarse junto a la banda a grabar el álbum, por lo que utilizó estas composiciones como un verdadero catalizador de emociones aunque afrontando la situación con una fiereza envidiable y entregando varias de las interpretaciones más afiladas en la carrera de Garbage. Prueba de esto es la potente partida del álbum a cargo de 'Shut your mouth' + 'Androgyny', donde la vocalista reflexiona respecto al juicio constante que deben vivir las mujeres en el mundo del rock y también en torno a los estereotipos de género. Musicalmente ambas además declaran intenciones respecto al giro que la banda busca realizar, escapando de la estridencia electrónica/rock de Version 2.0 para dar paso a un sonido cargado al glam donde las guitarras aparecen con sutileza, sonando siempre elegantes aunque jamás desatándose. 

La tendencia a buscar canciones donde el rock es contundente pese a sonar siempre contenido, con una producción limpia y cristalina, vuelve a manifestarse en las sólidas 'Til the day I die', 'Silence is golden', 'Breaking up the girl' o 'Cherry lips (Go baby go)', otro hitazo, no sin antes pasar por la grandilocuencia de un baladón como 'Can't cry these tears', la acústica 'Drive you home', o la dolorosa 'Cup of coffee' ("No, por supuesto que no podemos ser amigos / No mientras esté así de obsesionada..."), tres en donde Shirley se desangra en el relato, creciendo enormemente además como vocalista y front girl de la banda. 

No todo funcionará eso si. Ya con las cartas sobre la mesa el álbum cerrará con debilidad, perdiendo puntos en toda la recta final, marcada por canciones corrientes que se hacen pesadas, cerrando así un trabajo que inevitablemente representa un mal recuerdo para la banda, un disco al que le pusieron mucho pero del que obtuvieron bastante poco. Más allá de la rotación de uno que otro single, Beautiful garbage no logró la repercusión esperada, dejando a Garbage en un limbo complicado del que, digámoslo, nunca supieron sobrevivir. Nobleza obliga, a veinte años de distancia, el reconocer que la intentona de 2001 poseía méritos para haber llegado más lejos. 

¿Canciones? 'Shut your mouth', 'Androgyny', 'Silence is golden'. 

7,5 / 10

¡Muy bueno!

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2021: No gods no masters

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1998: Version 2.0

20 Años De... Slipknot : IOWA (2001)

 "Descarga de furia incontestable..."

Si existió una banda capaz de interpretar a la perfección la vibra nu metal a fines de los noventa, esa fue Slipknot con su debut de 1999, un disco que golpeó la mesa dentro del género, rabioso en sus formas y fondo, un disco de sonido violento y que supo alejarse de cosas más comerciales y melosas que estaban sonando por ese entonces (ejem... Linkin park, Papa Roach, Limp bizkit). Dicho en simple: el álbum debut de Slipknot efectivamente sonaba y olía a metal. Y en esta misma línea, para su segundo álbum la banda se propone distanciarse más aún de los referente comerciales, y a esa tarea se entregan con Ross Robinson nuevamente en la producción, quien entendía bien por donde iba esta movida pues venía de producir a Sepultura (Roots de 1996), el debut de Soulfly, los dos primeros discos de Korn y a los mismos Limp bizkit. Toman entonces una primera sabia decisión respecto al sonido de la banda: prácticamente suprimen la tornamesa (salvo uno que otro pasaje) y se centran en su arista más agresiva, canalizando además con esto un aspecto no menor a considerar: el que la banda internamente vivía su peor momento. Y es que tras el éxito del debut, los integrantes de Slipknot pasaban por su momento más auto destructivo y caótico, con un abuso severo de alcohol y drogas, lo cual confabuló en la génesis de un álbum intenso, violento pero que definitivamente catapultó a la agrupación directo a otra categoría.

En dicha línea, la descarga de energía que el álbum propone es inmediata, marcada por un machaque incesante por parte de un Joey Jordison extraordinario en batería (ya en el debut había sonado impresionante) y un Corey Taylor furioso en las vocales, manejando el cambio de registro de manera magistral, abriendo en completo descontrol en cosas como 'People = shit', 'Disasterpiece' (una donde se acercan al groove de Soulfly) o 'Everything ends', todas dispuestas a no dejar títere con cabeza, pero entregándose también a las melodías en las notables 'My plague' o 'The heretic anthem'. Lo cierto es que el álbum en su primera mitad es un continuo que funciona perfecto, una descarga dispuesta a volarte el cerebro canción tras canción y donde todo fluye. 

Tal como hicieron en el debut, en IOWA abren el álbum con una introducción que anticipa el desate y a medio álbum instalan otra pausa en 'Gently' (tema donde aparece la tornamesa), pero a partir de aquí se disparará una cara b que nuevamente se centrará en la agresividad del sonido, partiendo por 'Left behind', donde juegan de manera maravillosa con la dualidad limpio/gutural en la vocales, creando un neo clásico incontestable, a la cual le seguirá una directa y efectiva 'The shape'  y luego una pasada que conecta con los inicios de la banda, 'I am hated' (que suena bastante al debut de 1999) + 'Skin ticket', seis minutos en donde la banda ralentiza su sonido y suenan más Korn que nunca, incluso con Corey Taylor disfrazándose de Jonathan Davis en los lamentos. Aparece acá quizás el único defecto que se le puede achacar a IOWA, y que lo priva ciertamente de ser una obra maestra, y es que el disco debió terminar ahí, en 'Skin ticket', sobre todo considerando el que era el tema más extenso del álbum y que exploraba atmósferas diferentes a todo lo anterior. No se entiende que tras esta retomen con dos canciones directas como 'New abortion' y 'Metabolic', y menos ese cierre de quince minutos a cargo del tema homónimo, un freakerío totalmente innecesario. 

Con todo, a veinte años de su publicación IOWA de Slipknot aparece, junto a White pony de Deftones (que si es un 10/10), como el álbum mejor logrado que nos dejó la (breve) historia del nu metal. Una descarga de ira como pocas y que sentó precedente para una banda que a partir de 2001 se transformó en un referente del metal contemporáneo. Habrá quienes afirmarán el que jamás Slipknot logró volver a sonar de esta forma ni superar este nivel (cambiaron a Ross Robinson por el sobre valorado Rick Rubin, craso error), y probablemente tengan razón, sin embargo, da igual, el infierno ya estaba ganado...

¿Canciones? 'People = shit', 'My plague', 'Left behind', 'Everything ends'.

9/10

Brillante.

Otras reseñas de Slipknot:

2019: We are not your kind

2014: .5: The Gray Chapter

Discos 2001

LOS MEJORES DISCOS DE LA DÉCADA
AÑO 2001

Continuamos revisando los buenos discos que tuvimos en la década que se nos fué. Ahora es el turno del año 2001 (*1). Vivimos los últimos aletazos del llamado "nu metal" , algunas viejas glorias que dieron sus últimas patadas y un par de discos de bandas nuevitas que dieron que hablar. ¡Vamos!

Marzo 2001
Aerosmith - Just push play
Tras casi 5 años de silencio los dinosaurios de Aerosmith editan el que hasta el día de hoy resultó ser su último disco inédito de estudio. "Just push play" no funciona tan bien como su antecesor, el excelente "Nine lives" (1997) , pero si resulta ser un coctel de buenas canciones. Hay que aclarar que salvo algunos tímidos coqueteos con la electrónica no hay nada en estos 11 temas que no hayamos oido antes en Aerosmith, están las baladas rock comerciales tan características en la banda ("Fly away from here" o "Sunshine") , los temas pegajosos algo más rockeros ("Jaded" o "Luv lies") o algunas más aceleradas ("Light inside") , todo esto muy bien armado de manera de entregar un disco correcto que si bien juega a la segura lo hace de gran manera.



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Marzo 2001

Eric Clapton - Reptile -
Tras un experimental y muy poco comprendido "Pilgrim" (1998) el bueno de Clapton decide recular y regresar a sus orígenes. De esta forma en 2000 edita junto a B.B.King un buen disco titulado "Riding with the king" y luego en 2001 nos presenta esta joyita: "Reptile". Se trata de 14 canciones que durante una hora te demuestran porque este tipo fue y sigue siendo tan grande. Blusero de la mejor especie en "Got you on my mind" o "Come back baby" , "Broken down" o la maravillosa instrumental "Reptile". Marcando los temas con su particular sonido en "Travelling light", "Superman inside", o "I ain't gonna stand for it". Clapton interpreta un abanico de composiciones ajenas (canciones que van desde Stevie Wonder a Ray Charles) de manera única e inconfundible, comunicándose con nosotros atravez de su voz y guitarra de manera notable. Uno de los discos que te recomiendo oir sin duda alguna.

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Junio 2001
Radiohead - Ammesiac
Tras aquel golpe a la cabeza que había significado el año anterior la edición de "Kid A", los ingleses de Radiohead nos entregan esta vez un trabajo más digerible y que claramente muestra "lo que no quedó" en aquel mencionado trabajo (¡vaya "sobras" eso si!). "Amnesiac" es menos compacto que su hermano mayor aclarando por cierto que esto jamás se transforme en un defecto, contiene experimentos electrónicos que podrían haber sido incluidos perfectamente en "Kid A" tales como "Packt like sardines" , "Pulk/pull revolving doors" o la extraña "Like spinning plates", canciones a piano patentadas ya por Radiohead como "Pyramid song" o "You and whose army?" y al mismo tiempo temas de corte más comercial como "Knives out" o "I might be wrong". Mención aparte para "Dollars & cents", para mi lo mejor del disco. Un tremendo album que vino a confirmar el excelente momento creativo que vivía por aquellos años la banda.

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Junio 2001
Muse - Origin of symmetry -
El segundo disco del trio inglés liderado por el genial Matt Bellamy encuentra el sonido que comenzaría a deslumbrar poco a poco con luces propias y no tanto por sonar como la mezcla perfecta entre Radiohead y Queen. "Origin of symmetry" suena contundente gracias al excelente trabajo de teclados y guitarras , basta oir la tremenda partida a cargo de "New born" y "Bliss" para confirmar que el excelente debut de la banda a cargo de "Showbiz" no fue una coincidencia. Gran trabajo para una banda que saría que hablar durante la década y se consagraría en un par de años más gracias a su siguiente trabajo.


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Julio 2001
Weezer - Weezer ("The green album")
Los maestros del "nerd rock colegial" regresaron a la escena tras 5 años de silencio con un disco que los puso de vuelta en el oído de las masas. El "album verde" de Weezer no pretende mucho más que revisitar aquel divertido sonido de fiesta sesentera tan bien trabajado durante los 90's por la banda y llevado en ese entonces a las masas gracias al exitoso y recordado single "Buddy holly". Esta vez la cosa jugó por ahí mismo, se trata de 10 canciones con un sonido efectivo y correcto (de hecho ninguna supera los 3 minutos de duración). El disco nunca aburre y tiene momentos notables como el single "Hash pipe" , la excelente "Photograph" o mi favorita "Crab". "The green album" de Weezer es un álbum agradable cuya única ambición es divertir de la mano de un rock melódico muy claro y excelentes coros. Te lo recomiendo.

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Julio 2001
The white stripes - White blood cells
La primera vez que oí a The white stripes recordé a Led Zeppelin y a The Who. Esa suciedad en el sonido de las guitarras y baterías, ese sonido de garage característico de los 70's. Y este, su tercer disco, sencillamente me encantó. Uno de los mejores discos de la década y por cierto el mejor de aquel 2001. Un álbum compuesto por 16 canciones cortas y directas pero no por eso sencillas ni repetitivas. Un album fresco en cada una de sus notas y entonaciones a cargo de el joven "Jack white". Si es por destacar canciones mencionaria en lo personal la excelente "I'm finding harder to be a gentleman" o "The union forever", sin embargo me parece que "White blood cells" debe ser considerada por el auditor como una gran obra en continuo. Si, insisto, el mejor disco del 2001 para mi. Recomendado absolutamente.

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Agosto 2001
Slipknot - IOWA
Ira, desesperación, dolor, energía, frustración. De todo eso y más se trató este verdadero vómito que tomó forma músical en 2001 y que fue titulado por Slipknot como "IOWA". ¿Qué diferenció a estos 9 músicos enmascarados de otras bandas del mismo estilo tales como Coal Chamber o Papa Roach? Pues la notable capacidad de entrelazar la brutalidad del metal con unos coros
melódicos muy bien interpretados, llevando de esta manera su sonido más allá de los límites impuestos por las bandas pertenecientes a llamado "nu metal". Con "IOWA" Slipknot encuentra su mejor momento creativo dominando a la perfección las composiciones que componen un disco que jamás agota y que con el paso del tiempo no envejece. Los singles "My plague" y "Left behind" son excelentes muestras de lo que digo. Tremendo álbum y un gratísisimo recuerdo.

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Septiembre 2001
Sistem of a down - Toxicity
Otro de los buenos discos de la década de la mano de una de las bandas más interesantes de los últimos tiempos. Agresivos en el sonido pero con melódicos gracias a excelentes interpretaciones vocales a cargo de Serj Tankian y Daron Malakian, el sonido de Sistem of a down resulta dificil de clasificar y con "Toxicity" (su segundo disco) definitivamente dieron un paso hacia la gloria. Un álbum en el que abundan divertidas canciones en donde abundan los cambios de ritmo y melodías ("Deer dance" o el single "Chop suey!" son muestras de aquello) combinadas con temas algo más trabajados como las maravillosas "Forest" , "Toxicity" o "Aerials".
Con los años Sistem of a down se disolvería como banda, previo a su separación nos tendrían otra grata sorpresa preparada. Pero eso es materia de otro año, por el momento recordamos esta joya de disco.

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Octubre 2001

The cranberries - Wake up and smell coffee
Si con "To the faithful departed" (1997) la banda irlandesa liderada por la inconfundible voz de Dolores O'riordan mostró su lado más rockero y duro (en cuanto a lo musical y lírico), con "Bury the hatched" (1999) y "Wake up and smell coffee"(2001) retomaron de cierta manera los sonidos más ligeros y dulces de sus primeros dos discos. La ternura y belleza de "Never grow old" o "Do you know" se conjuga con las inquietas "I really hope" o "This is the day" y las melódicas "Analyse" o "Time is ticking out", entregando un equilibrio perfecto a un disco que se disfruta muchísimo canción a canción y que por cierto fue el último disco de The Cranberries previo a su separación.

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Eso sería por el 2001...
Gracias por los comentarios, siempre se agradece el aporte.

(*1) Revisa la lista completa en http://en.wikipedia.org/wiki/2001_in_music#Albums_released