Resumen Blog 2022 + 10 Grandes Canciones + Playlist

Momento para realizar el resumen de lo que publiqué en mi querido blog durante el año que acaba de terminar. El análisis de los números.

¡Para comenzar! La mirada global: en 2022 publiqué 108 entradas, un poco menos respecto a los dos años anteriores. Doce menos que en 2021 (cuando publiqué 120) y diez menos respecto a 2020 (ahí fueron 118).

De esas 108 entradas: 

- 15 correspondieron a reseñas de aniversario (siete más que en 2021), 11 a reseñas de 2021 y 79 a discos del año (bastante menos que en 2021, cuando escribí de 93 discos). 

¿Cómo anduve en términos de género? En mi tendencia. De los 105 discos comentados en 2022 (entre los del año, 2021 y aniversarios), 16 correspondieron a artistas o voces femeninas (un 15%), sin proponérmelo manteniendo mis números respecto a 2021 (16%) y 2020 (17%).

¿Y cómo anduve en términos de procedencia? En este 2022, comenté bastantes más discos provenientes de Inglaterra (respecto a años anteriores), fueron 31 en total (29%, en 2021 fue solo un 16%) mientras que comenté 43 discos provenientes de Estados Unidos (un 40%), por tanto, un 70% de los discos comentados provinieron del duopolio Estados Unidos + Inglaterra. Fuera de estas dos naciones, como suele ser costumbre acá, Suecia es el país desde donde más escribo con 9 reseñas (5 fueron en 2021) mientras que comenté 3 discos de Islandia (Bjork, of course), 2 procedieron de Alemania, Polonia, Canadá y Chile, mientras que comenté un disco de Ucrania, Dinamarca, Finlandia, Noruega, España, Grecia, Argentina, Austria, Uruguay y Puerto Rico.

Y para cerrar, las diez canciones que más me tocaron la fibra durante 2022:

#10. Arcade Fire: "Unconditional I (Lookout kid)"
Preciosa declaración de amor y libertad hacia un hijo. Porque errar está bien y nadie es perfecto. 

#9. Babasónicos: "La izquierda de la noche"
Una oda a la noche y su sabor artificial, empapada de teclados con delicado tributo a Bowie incluído.  

#8. Rosalía: "Saoko"
Desafiante como ella sola. Todo actitud. Singlazo. Además... ¡Cómo suena! Dos minutos dispuestos a comerse el mundo. 

#7. Cult Of Luna : "An offering to the wild"
Excelente ejemplo de las fantásticas atmósferas que la banda ha sabido encontrar en su reciente disco. Oscuridad y tinieblas al por mayor.

#6. Ghost: "Kaiserion"

Tiene mucho mérito el escribir buen pop, que es lo que los suecos han hecho en su reciente Imperial, y esta, que decir, manjar...

#5. Bjork: "Fossora"
Única. 

#4. Eddie Vedder: "The haves"
Joder...  No hay palabras.

#3. Editors: "Kiss"
Amé la aventura synth pop de Editors, pero si tuviese que resumir su éxito en un tema, sería este. Aunque el mundo no se entere...

#2. Band of horses: "Warning signs"
En serio que uno realiza esfuerzos por no escuchar música triste, pero aparecen cosas como estas y resulta imposible no rendirse...

#1. Arcade fire: "The lightning I + II"
Los canadienses en partida doble en este Top 10. Nunca entendí porque esta fueron dos canciones, eh? Pero yo en realidad las hago una y sigo alucinando con la entrega que transmite esa primera parte (una preciosa invitación a seguir adelante, aún en las dificultades), seguida del desate y la euforia.

No fueron solo diez eso si las canciones que gocé durante 2022. Les dejo acá por tanto el playlist de mis 65 favoritas. 

Björk: Fossora (2022)

 "Inquieta, arisca e insaciable..."

Comencemos haciendo historia: tras aquella catarsis post separación expresada por Björk en el enorme Vulnicura (2015), llegó un desafiante Utopia (2017), disco que intentó dar pasos hacia otro lugar, restándole dramatismo al sonido, buscando sonar más luminosa e intentando equilibrar su presente entre sintetizadores, pajaritos, arpas y flautas. La jugada eso si, le quedó bastante espesa, excesivamente dulce, monótona y difícil de seguir (es también el disco más débil de su carrera, digámoslo), por lo que restaba ver hacia donde decantaba esta vez. En esa línea, Fossora ("excavadora" en latín) realiza un cambio de ruta y en lugar de insistir en una sola línea sonora opta por la diversidad sonora, es decir, en su décimo disco Björk vuelve a desarrollar el camino de la reflexión personal pero con constantes idas y vueltas tanto emocionales como musicales, con momentos que gozan de alto optimismo así como otros en donde la vocalista se sumergirá entre tinieblas, aspectos que se reflejarán en los arreglos.

Desde lo temático, eje en el álbum será la pérdida como concepto (o más bien el "dejar ir"), encarado desde aquello que cercó la vida de Björk durante estos cinco años: la pandemia, la muerte de su madre (ocurrida en 2018) y claro, su momento familiar/personal. Fossora es Björk y sus reflexiones, sus hongos (bueno, la portada algo anticipa), su madre, su propia maternidad, su hija y sus procesos, siendo sin lugar a dudas un disco absolutamente femenino (refiriéndome con esto al lugar desde donde se encaran las temáticas). De ahí que comience cuestionando nuestras distancias en 'Atopos' ("¿No son solo excusas para no conectar? / Nuestras diferencias son irrelevantes..."), en una canción que coloca a las percusiones al centro (con una vibra que muchos no tardaron a asociar con el reggaetón), algo que también ocurrirá en la soberbia 'Ovule'. Tras estas, sin embargo, rápidamente el disco comenzará a recorrer su columna vertebral.

De esta forma, tras una coral 'Mycelia' sonará 'Sorrowful noise' (ambas enfocadas en las vocalizaciones, con fuertes aires a lo que alguna vez hizo en Medúlla de 2004), entregando referencias a la muerte ("En el triste suelo nuestras raíces son excavadas..."), la fertilidad ("En la vida de una mujer, cuatrocientos huevos tiene / Pero solo dos o tres anidan con la fuerza de una madre...") y la paz consigo misma (o en un diálogo madre-hija), repitiendo en el cierre ese "lo hiciste bien, hiciste lo mejor que pudiste" una y otra vez. 'Ancestress' será una extensa secuencia de estrofas (muy en plan Vulnicura) dedicadas a su activista y fallecida madre ("Mi cráneo es mi catedral / Cuando era niña ella me cantaba / En falsete de cuna, con sinceridad / Agradezco su integridad...") mientras que 'Victimhood' entregará el momento más oscuro y siniestro del álbum, uno en donde Björk nos introduce en sus peores pantanos depresivos, aunque con una lucidez enorme a la hora de entender sus dificultades y procesos ("El rechazo dejó un vacío / Que nunca se satisface / Hundida en el victimismo / Sentía que el mundo me debía amor..."). De lo mejor del álbum sin lugar a dudas.

El disco cerrará hablando del síndrome del nido vacío (a coro junto a su hija) en 'Her mother's house' ("Cuanto más te amo / Cuanto más fuerte te vuelves / Menos me necesitas"), no sin antes haber pasado por dos guiños a Utopia como son 'Allow' + 'Fungal city', interesante experimentos vocales/electrónicos en 'Trölla-Gabba' + 'Freefall', seguidas del retome de las percusiones en la excelente 'Fossora', con cierre electrónico caótico incluido (algo que no practicaba desde hace al menos quince años), completando así un cóctel que Björk ha sabido construir tomando algo de diferentes rincones de su historia, aunque siempre con una identidad y franqueza que conmueve.

Fossora da muestras de aquellas reflexiones que caben en una mujer de cincuenta y siete años de edad, también de su increíble tino a la hora de expresar inquietudes musicales, esta vez (me atrevería a decir que por primera vez en toda su carrera) mirando hacia su pasado para lograr avanzar. Su espíritu inquieto y arisco luce intacto e insaciable. Benditos somos de vivirla y gozarla. 

¿Canciones? 'Atopos', 'Ovule', 'Victimhood', 'Fossora'.

7,5 / 10

¡Muy bueno!

Otras reseñas de Björk:

2017: Utopia

2015: Vulnicura
2011: Biophilia

2001: Vespertine

1997: Homogenic

1995: Post

20 Años De... Björk: Vespertine (2001)

 "El desmarque definitivo..."

Dicen que el primer paso es el más difícil de todos, aquel que marca una nueva dirección a seguir y rompe con el pasado. En dicho sentido, Homogenic fue claramente el primer paso hacia la emancipación de Björk, una obra maestra en donde la islandesa abrió aguas cortando con el pop de sus inicios, tanteando nuevos terrenos entre atmósferas densas, oscuras e íntimas para lograr así expandir su universo. Ahora, si el de 1997 fue el eslabón inicial, cuatro años más tarde Vespertine acabó por desatar el definitivo desmarque, aquel punto de no retorno para una artista dispuesta a hacer algo que muy pocos (en la vida) están dispuestos a hacer: volver a comenzar. Porque digámoslo como lo que es: la Björk post Verpertine tiene poco y nada que ver con la pre, es prácticamente otra artista la que acá inicia una carrera (la prueba está en las pocas canciones de sus primeros dos álbumes que la vocalista interpreta a día de hoy en sus shows en vivo), una con aspiraciones artísticas completamente diferentes y ciertamente alejada de la atención mediática.

Para comprender esto último cabe mencionar el contexto que rodea la producción de Vespertine. ¿Desde donde venía Björk? Del reconocimiento transversal de la crítica ante Homogenic, su comentado (y polémico) trabajo junto a Lars Von Trier en Dancer in the dark (que incluyó además una banda sonora fantástica interpretada por la islandesa) y el posterior bullying masivo tras la gala de los Oscar (donde se vistió de cisne). Toda una vorágine, demasiado para una personalidad introvertida. Sin embargo, en medio de todo aquello es que inicia su relación con el afamado artista Matthew Barney (compañero de vida durante los casi quince años posteriores) por lo que se comprende el que la islandesa decidiese internarse (aún más) en si misma y en dicha relación, expresando su momento mediante un álbum que expande el sonido de Homogenic, llevándolo a otro lugar, uno que se aleja ya por completo de las estructuras pop, trabajando una electrónica minimalista que funciona como un verdadero viaje, un trance continuo. 

En cuanto a temáticas el álbum también tiene su línea. Y es que si cuatro años atrás Björk abordaba el amor desde la pérdida e incluso la rabia, en Vespertine abraza el sentimiento en estado puro e íntimo, cómo alguna vez expresó Peter Gabriel (en 'Red rain' de 1986): "Defensas abajo, con la confianza de un niño...". Tal cual. Björk se entrega por completo, y en paralelo, tanto a su relación de pareja como a si misma, asunto que se expresa con total claridad en la inicial 'Hidden place', una delicada invitación a sumergirse en la esperanza que se encuentra con la llegada del enamoramiento ("Desde el más cálido cordón / Tu amor me fue enviado /  No estoy segura en qué hacer con el / Ni donde ponerlo..."), esto enmarcado en un sonido tremendamente sutil, que se mueve entre micro beats + arreglos orquestales, ideas que volverán a tratarse más adelante en cosas como 'It's not up to you', 'An echo a stain' o 'Sun in my mouth'. Todas inmensas.

Verdad sea dicha, el álbum es una bestialidad en materia de arreglos. Hay canciones que serán pura delicadeza, donde instrumentos como el arpa adoptan protagonismo y la vocalista sabe encontrar varias de las mejores interpretaciones de su carrera, jugando con las intensidades en 'Pagan poetry' (con prácticamente el único momento explosivo que encontramos en el álbum), en la hermosa 'Aurora', o yendo muy abajo en las atmósferas, como ocurre en 'Cocoon', 'Undo' (con ese llamado a rendirse ante el sentimiento, afirmando que este "no debe ser una lucha ni cuesta arriba") o en esa recta final que se vive con 'Harm of will' + 'Unison' (apabullante cierre para el álbum), temas en donde Björk es capaz de alcanzar niveles únicos de expresividad recurriendo incluso a susurros con su voz. De igual forma, cuando el disco se lanza a la exploración más dura, encuentra cosas como 'Heirloom', que funcionará a la perfección en el tándem bajo + electrónica.

El momento que encuentra Björk en Vespertine es de apertura total. Nunca sonó tan adulta, (las referencias a su sexualidad en el disco son tan poéticas como transversales) y entregada a si misma, a su crecimiento artístico y emocional. Sin embargo, lejos de proyectar un monólogo impenetrable, el álbum es tan emocional que solo puede sobrecoger. ¿Cuántos artistas han sido capaces de parir dos obras maestras incontestables al hilo? Pues he acá una. Genia absoluta. 

¿Canciones? 'Hidden place', 'Undo', 'Aurora'.

10/10
Obra maestra.

Otras reseñas de Björk:

2017: Utopia

2015: Vulnicura
2011: Biophilia

1997: Homogenic

1995: Post

25 Años De... Björk : Homogenic (1997)

En memoria de mi primo Piero. Él nunca lo supo, pero fue la primera persona que conocí en mi vida que rayaba con Björk y este disco. Me hubiese gustado decírselo...

"Brillante viaje emocional..."

Si hay algo que acabó por caracterizar la carrera de la islandesa Björk fue su singularidad, la manera en que supo encontrar identidad escapando de la comodidad del éxito y la masividad para entregarse a si misma y su obra. Digamos, una artista con mayúsculas. Todo aquello, sin embargo, se forjó posterior a su etapa comercialmente más accesible, marcada a fuego por sus dos primeros álbumes y donde perfectamente pudo haberse quedado un buen tiempo estirando el elástico hasta cuando diese. Aquel 1997, sin embargo, la atrapa con la idea de ir más allá, de explorar fuera de la caja, que es lo que haría finalmente en Homogenic , su obra maestra definitiva y aquella que la consagraría como una creadora inquieta y vanguardista.

Haciendo historia, el mencionado escape seguro tuvo mucho que ver con el incidente que la islandesa vivió en 1996 con un fan obsesionado intentando asesinarla, así como el ataque de ira que protagonizó y donde agredió a una periodista (también en 1996). Todo esto seguro la movilizó a encerrarse en su mundo y buscar caminos que la alejasen de aquella imagen que había construido en su primera etapa post Sugarcubes. Con este objetivo es que Björk emigra a España en la idea de encontrar caminos que mostrasen un crecimiento respecto a sus antecesores, lo cual acabó plasmándose en un conjunto diverso que oscila entre beats + electrónica y momentos sinfónicos pero con un claro hilo conector: un sentir a flor de piel que inunda al álbum por completo. 

En este sentido, Homogenic es un álbum tremendamente emocional y aquello se percibe de inmediato cuando 'Hunter' comienza a sonar. La islandesa se define como una cazadora que se ve forzada a salir por necesidad ("Podías olerlo / Así que me dejaste conmigo misma / Para completar la misión / Ahora estoy dejando todo atrás...") pero entrelaza de manera brillante su voz con percusiones electrónicas y arreglos orquestales en una canción maravillosa que abre y cierra en calma, anticipando además aquella obra maestra en si misma que es 'Jóga', una pieza hermosa que define el enamoramiento como un "estado de emergencia" entre violines ("Las coincidencias tienen sentido solo contigo / No tienes que hablar / Me siento en paisajes emocionales..."), con una Björk que en cierto modo se re encuentra consigo misma vocalmente hablando. Sobran las palabras acá, hablamos de un clásico incontestable.

En términos temáticos Homogenic ,sobre todo en su primera mitad, se muestra como un álbum que retrata el amor desde diferentes lugares y aquello lo ilumina. Luego, si 'Jóga' apostó por una sensibilidad tremendamente presente, tierna incluso, 'Unravel' juega en una línea similar ("Mientras estás afuera mi corazón de deshace / Así que cuando regreses deberemos crear un nuevo amor..."), nuevamente entre violines y una Björk absolutamente entregada a la labor de transmitir con su garganta, tal como hará en 'Bachelorette', aunque esta vez desde la contundencia del sonido sinfónico (junto con 'Jóga', esta es seguramente la GRAN canción del disco), en otra pieza colosal desde la propuesta, personal en el mensaje ("Soy una fuente de sangre / En la forma de una niña / Eres el pájaro en el borde / Hipnotizado por el torbellino...") y una demostración del tino que la artista ostenta acá, yendo y viniendo con las atmósferas, consciente del nivel del material que tenía entre manos.  

El nudo del álbum, sin embargo, entregará un giro hacia un sonido mucho más maquinal e industrial, primero con 'All neon like' seguida de '5 years', más rabiosa que las anteriores en el tono e interpretación ("Te desafío / Estoy cansada esos cobardes / Que dicen que lo quieren / Pero no pueden manejarlo..."), luego con 'Immature' + 'Alarm call', que centran su estilo en el trabajo de percusiones y anticipan el caos + desate electrónico que se vive en 'Pluto', que es techno en absoluto descontrol donde Björk se deja la vida, descontrol que por cierto (y para tristeza de muchos de sus fanáticos) no volveríamos a oír nunca más en su carrera. 

Tras la locura, el viaje culminará con la delicadeza de 'All is full of love' y la voz volviendo a lo básico, como alguna vez hicieron The beatles, repitiendo una y otra vez que es el camino del amor el que debemos seguir, cerrando así un verdadero viaje emocional, brillante, iluminado e inspirado, un disco que efectivamente sirvió como catalizador de un momento para Björk pero no solo eso, si no que representó el comienzo del fin de una ruta para la islandesa. 

Con Homogenic, la artista abre las puertas de su propia libertad, a partir de acá tendría licencia para hacer realmente lo que quisiese. Su nombre ya estaba escrito con letras doradas en la historia de la música contemporánea. A esta obra maestra le seguirían sus andanzas en el cine junto al maestro Lars Von Trier en Dancer in the dark (2000) y el posterior Vespertine (2001), álbum que confirmaría su liberación de las ataduras del mainstream, aunque aquello será motivo de una siguiente reseña...

¿Canciones? 'Hunter', 'Jóga', 'Unravel' y 'Bachelorette'.

10/10

Obra maestra.

Otras reseñas de Björk:

2017: Utopia

2015: Vulnicura
2011: Biophilia

1995: Post

25 Años De... Björk : Post (1995)

En memoria de mi primo Piero. 

"Vanguardia pop..."

Hay artistas que debutan muy pero muy arriba, Björk fue una de aquellas. La islandesa rompió los esquemas con sus dos primeros álbumes, fascinantes ambos y dueños de una identidad impresionante. En ese sentido tanto Debut (1993) como Post (1995) pueden entenderse, pese a sus particularidades, como un paso en una misma dirección, esto a diferencia de su tercer disco Homogenic (1997), una obra maestra de la que ya tocará escribir y que marcó un quiebre creativo importante respecto a sus antecesores. Hoy, sin embargo, estoy acá para escribir respecto a Post, el segundo disco de una artista que en tan solo dos años fue capaz de dictar cátedra respecto a lo que se podía lograr en el mundo del pop y que en 1995 logró mejorar la oferta respecto a lo entregado dos años atrás, y vaya que la tenía complicada...

En este sentido un primer aspecto a mencionar respecto a Post es que este, en la comparación con Debut logra presentar un conjunto (aún) más diverso pero tremendamente efectivo a la vez. Son once canciones las que componen el disco y que entregan una experiencia exquisita que se extiende por cuarenta y dos minutos, un trabajo que suena compacto, que se puede oír de comienzo a fin sin saltarse un solo tema y donde cada uno de ellos brilla con luces propias. Sin ir muy lejos, basta oír la primera mitad del álbum para que tu cabeza explote con el cóctel propuesto, acá encontramos secciones industriales y oscuras en el singlazo 'Army of me' o la extraordinaria 'Enjoy', pasajes más cargados a la electrónica en 'Hyperballad' (que si me preguntan, debió cerrar el álbum y no sonar en segundo lugar) o 'Modern things', que de cierta manera anticipa un tanto los caminos exploratorios e introspectivos que la artista tomaría en el posterior Homogenic, un refrito en tono retro de 'It's oh so quiet' de Betty Hunton (una vieja canción de 1951 pero que Björk hace totalmente propia con su versión) y un pasaje íntimo como 'You've been flirting again' donde la artista vocaliza únicamente sobre arreglos de violines. El disco es todo contundencia, talento puro y rebosante que incluso a veinticinco años de distancia sigue emocionando como si fuese el primer disco. Porque si, Post es un disco que, por si fuese poco, ha sobrevivido muy bien al paso del tiempo gracias a su vanguardista producción.

En la cara B del trabajo continuará navegando por distintos sonidos, con una singular 'Isobel' que apostará por la grandilocuencia entre orquestas y tribales, un bicho  experimental raro difícil de clasificar como 'I miss you', mientras que canciones como 'Possibly maybe', 'Cover me' o 'Headphones' desde diferentes esquinas sonoras abordarán tranquilas atmósferas que más adelante en su carrera Björk acabaría por profundizar. 

Al disco se le podrían colocar dos "peros", digamos... por buscarle algo, el primero se encuentra en estos últimos temas mencionados que contrastan demasiado respecto al resto del conjunto al lanzarse a experimentar en un disco que hasta su recta final era eminentemente pop y el segundo es que el álbum, para bien y para mal, tantea todo pero jamás se queda quieto. De hecho, el posterior Homogenic si centraría sus esfuerzos en una búsqueda particular con un genial resultado. 

Post fue un trabajo tan inmenso que marcó completamente la vida de Björk, a quien el éxito le vino encima con tremendas consecuencias personales, las cuales fueron desde desequilibrios emocionales profundos (con episodios de violencia incluido) hasta intentos de asesinato por parte de un obsesivo fan. Todo esto marcaría un antes/después en materia musical, quien hasta el día de hoy jamás ha vuelto a grabar un álbum de pop. En el recuerdo y la historia quedará por tanto este disco que en su momento llegó para marcar pauta al mundo.

9/10

Brillante. 

Otras reseñas de Björk:

2017: Utopía

2015: Vulnicura

2012: Biophilia

Björk : Utopia (2017)

"Llevando la experiencia al límite y al sobre cargo ..."

A dos años de la edición de Vulnicura, registro donde Björk decidió plasmar y exponer su dolor frente a su (ya no tan) reciente separación, la islandesa regresa con ánimos renovados, en un tono más optimista aunque musicalmente dando continuidad al camino que viene recorriendo desde hace un buen rato. Se entiende por tanto este Utopia como una perfecta segunda parte de Vulnicura, una donde desea mostrar un presente esperanzador y en donde el dolor ha servido como vía para la superación, así expresa de hecho en la letra de 'The gate': "Mi sanado pecho herido . Transformado en una vía donde recibo amor, donde entrego amor...", pieza clave para entender el décimo álbum de la vocalista.

No lo vamos a descubrir hoy: Björk es una artista que se encuentra por sobre el bien y el mal. Nos podrán gustar más o menos sus recientes trabajos pero nadie puede negar a estas alturas su categoría de artista completamente genuina. La islandesa lleva un tiempo importante escribiendo para si misma (ya son tres álbumes en una misma línea), utilizando su música como terapia de crecimiento, sin realizar concesiones y trabajando bajo estándares propios. El problema es que ahí cuesta mucho seguirla, las canciones no están, todo es exploración, desate creativo y excesos por doquier. Aspectos que en Utopia se han llevado al límite, fuera de trabajar un sobre cargo en materia de arreglos que en esta ocasión hacen más difícil de captar la experiencia.

De esta forma en 'Arisen my senses' encaja sobre cuerdas lineas vocales que van siempre a destiempo, en 'Blissing me' o en los diez minutos de 'Body memory' se suceden monotonamente una serie de estrofas sobre delicados arreglos, en 'Utopia' (la canción) la vocalista intercala en medio de flautas y ruidos de pájaros unos cuantos versos + coros donde cuesta encontrar cuando terminan unos y comienzan otros, y así, tema a tema el viaje se muestra tan honesto como desafiante con el auditor. Olvídense de las estructuras tradicionales y "canciones" como tal, Björk ha vuelto a regalar una propuesta que no sabe de convencionalismos. 

En materia de arreglos el álbum está marcado por la presencia de un conjunto de flautas, arpas y los beats desencajados de Arca, artista venezolana que ya había colaborado con Björk en Vulnicura pero que en esta ocasión ha adoptado mayor protagonismo tanto en la creación como grabación de Utopia, de hecho, comparte créditos en prácticamente todo el disco. La asociación me parece rinde buenos frutos pasando el nudo del trabajo (para quienes logren llegar ahí, claro), cuando en temas como 'Courtship' o 'Losss' la electrónica se funde entre explosiones en absoluta naturalidad con vientos y sonidos, aunque también cabe comentar que al disco le sobran minutos y por ratos largos cae en el sobre cargo de almíbar, canciones como 'Sue me' (donde se lanza sin asco y sin pudor contra su ex) , 'Claimstaker' o 'Future forever' redundan demasiado volviendo el álbum difícil (¡más aún!) en su recta final. 

En definitiva: honesta, visceral, atrevida, única... aunque inaccesible. En 2017 Björk lleva la experiencia de Vulnicura mucho más allá de lo imaginable pero siempre en un contexto donde la artista dialoga únicamente consigo misma. Utopia nos deja la sensación de que en las latitudes donde ha decidido moverse, muy lejos del pop y estructuras tradicionales, la islandesa se siente completamente libre y no parece por visualizar techo a la hora de experimentar, aunque muy pocos puedan seguirla... 

6,5 / 10 

Cumple, y algo más...

Otras reseñas de Björk:
2015 // Vulnicura
2011 // Biophilia 

Björk: Vulnicura (2015)

Completamente libre.  

Enfrentar una nueva entrega de la islandesa Björk resulta a estas alturas todo un desafío. Para nadie es secreto el que durante la última década, a partir de Vespertine (2001) para ser más exacto, la mujer se ha sumergido en un espiral de sonidos cada vez más introspectivos y ajenos a todo lo que en sus inicios fue. Para bien y para mal Björk goza hoy en día de una libertad envidiable, la tipa hace realmente lo que le da la gana, y disco a disco no ha temido en re inventar su sonido, escapando de esta manera incluso del éxito y jamás estancándose en una fórmula. No hay disco de Björk que suene igual al anterior, la mujer es una provocadora innata y su obra seguramente será recordada por muchísimo tiempo debido a aquella cualidad.

Ahora, todo provocador corre un riesgo: establecer una distancia prácticamente infranqueable con el público. Y en una era tan inmediata como la que hoy vivimos, en donde es realmente raro tener tiempo como para sentarse a oír un disco por demasiado rato, ser un provocador es casi un suicidio para el artista. Sin embargo, la islandesa es una de esas que parece no temerle a nada, ni siquiera al desprecio de sus propios fans. Ya lo demostró con Biophilia (2011), un disco dispuesto a romper con cualquier tipo de estructura que se esperase de ella, marcando claramente un nuevo punto de inicio para la vocalista. Tres años más tarde llega a nosotros Vulnicura, un trabajo mucho más sensible y personal (nace a raíz de su ruptura tras diez años con el artista Matthew Barney) pero en donde Björk no recula, fiel a su estilo insiste en proponer y desafiarnos a que recorramos el camino, aunque no nos la dejará nada de fácil. 

Hay algo que de inmediato queda claro con Vulnicura: bastan dos canciones para constatar que la experiencia es más cercana y emocional respecto a Biophilia. Los violines de "Stonemilked" que abren el álbum son la prueba, unos segundos más tarde entran las secuencias electrónicas, la melodía y Björk vuelve luego de muchos años a conmovernos. "Stone milked" es un tema hermoso que inevitablemente trae el recuerdo de "Jóga" a la cabeza, se complementa además a la perfección con "Lion song", una en donde la islandesa enlaza sus tradicionales juegos vocales (Medulla presente acá) con impecables orquestaciones. 

Con "History of touches" y "Black lake" aparece el segmento más íntimo y doloroso del álbum. "Desperté en medio de la noche para expresar mi amor por ti. Acaricie tu piel desnuda y pude sentir todo de ti en un mismo momento",  reza la islandesa en la primera únicamente sobre un teclado que golpea y golpea. Impactan también los diez minutos de "Black lake", acá Björk vuelve a exponer en siete estrofas su sentir. El acompañamiento de ambos temas es muy sencillo y mínimo, privilegiando así letras por sobre melodías. "Black lake" cansa eso si, cansa bastante, los primeros tres minutos se logran disfrutar pero luego son seis más (si, seis más) de los mismos círculos por lo que junto a "Family" (que son ocho minutos más de relato) deben representar el pasaje más complejo de seguir de todo el disco.

"Not get" me parece otro de los puntos altos de Vulnicura, un tema de esos que hay que ir descubriendo de a poco gracias al exquisito trabajo de arreglos y producción con que cuenta (Vulnicura completo es un álbum que debe ser disfrutado con un par de buenos audífonos), además con una letra increíblemente lúcida a la hora de abordar las inseguridades que se viven en una relación ("Dudabas de la luz y el refugio que esta puede entregar"), así como del camino que se recorre ante la pérdida ("No me quiten este dolor / Es mi oportunidad para crecer...").  En "Atom dance" Björk vuelve a prescindir por completo de puentes y coros, sin embargo acierta gracias al tremendo aporte vocal de Antony Hegarty quien luego de tres minutos de aparente monotonía aparece y aporta frescura. Llegamos así a los últimos diez minutos de disco, los cuales son totalmente exploratorios (más aún!), "Mouth mantra" y "Quicksand" se sostienen sobre electrónica bastante caótica y maquinitas que no paran de jugar (como "Hyperballad", aunque sin la vocación de masas), sobre ellas aparecen las voces y cuerdas en diversos momentos, claramente hay excesos pero también una apuesta que a ratos resulta atractiva.     

En definitiva: cuatro grandes canciones que son columna vertebral en el álbum, un par de ladrillos marca de la casa y tres experimentos dignos de la leyenda. Björk sigue haciendo de las suyas, no cede en las formas con las que ha decidido entregar su música pero esta vez si ha logrado equilibrar bastante el asunto, eso además de mostrarse como una artista plena, creativa, vigente y vanguardista. Un disco que sin duda crecerá con los años. 

¿Canciones? 'Stonemilker', 'Lion song', 'Notget'.

8 / 10

Excelente.

Otras reseñas de Björk:

2011 : Biophilia

Björk: Biophilia (2011)

"Oscuro, personal y vanguardista..."

Mirado a distancia, un álbum como Volta (2007) ha acabó por funcionar como disco bisagra para Bjork, este se dividió entre auto homenajes ('Earth intruders', 'Innocence', 'Declare independence'), momentos melódicos e instrumentales de alto nivel ('Wanderlust', 'The dull flame of desire') y otros realmente difíciles de seguir ('...'), dejándola en el global en tierra de nadie, con un poco de aquí, otro de allá pero sin direcciones claras. El de 2007 fue un buen álbum, que duda cabe, pero por primera vez (quizás en toda su carrera) la islandesa entregó un trabajo confuso en materia de rutas, por primera vez parecía no tener del todo claro hacia donde ir. Por esto mismo, caía de cajón el que para una siguiente entrega la vocalista decantaría por un camino, que es lo que ha hecho en Biophilia, tomando ruta propia, personal, íntima y, por cierto, cohesionada, para bien y para mal...

Nadie podría negarle a Björk el que en Biophilia no suena a ella, y aquello hay que dárselo de entrada, mira que hay que tener los ovarios bien puestos para jugársela por algo como esto, cincuenta minutos que se alejan prácticamente por completo de las melodías para centrarse más bien en sonidos oscuros y ciertamente difíciles de seguir. En lo concreto, existen pequeños momentos en el álbum donde la islandesa busca conectar a través ciertas armonías, instantes donde encontramos desates electrónicos ('Crystalline', 'Sacrifice, 'Mutual core') y otros donde las melodías vocales toman fuerza ('Cosmogony'). En esos momentos el álbum funciona e impacta, sin embargo, el resto del álbum, se debate entre arreglos mínimos (es un trabajo bastante desnudo en ese sentido), en ocasiones sonando casi con ternura ('Moon', 'Virus', 'Solstice'), a veces yéndose a un pozo tremendamente lúgubre ('Dark matter', 'Hollow'), en ocasiones apostando por la repetición de estrofas hasta la exasperación ('Thunderbolt').

El resultado es singular y de enorme identidad. Björk acude a la intimidad para dialogar consigo misma prácticamente sin concesiones con el auditor. Para bien y para mal, va a lo suyo. En la total vanguardia mediante un disco que a primeras cuesta pero al que seguro el paso del tiempo le hará tremendamente bien...

¿Canciones? 'Crystalline', 'Sacrifice', 'Mutual core'.

7 / 10

Muy bueno.

Battles, Justice, Pearl Jam y Björk

Videos de Battles y Justice. Novedades con Pearl Jam y Bjork  

Como siempre tu blog regalón se mantiene al día con lo que hay que mencionar dentro del maravilloso mundo de la música. En esta ocasión les traigo dos videos que acaban de ver la luz y dos canciones sueltas recién sacadas del horno. ¡Pero comencemos que me aburro!

Uno de los buenos discos que se han editado este 2011 fue Glass drop de Battles (comentado acá en el blog un par de meses atrás)  Mucha mezcla de sonidos y dinámicos juegos instrumentales caracterizan a esta singular agrupación que hoy nos regala un nuevo y simpático video del tema "My machine". Dedicado a quienes viven aterrados de caer en una escalera. 

Sigamos. Y mucho ojo con estos nenes de Justice, una de las bandas de electrónica más interesantes del momento y que en octubre próximo nos entregarán su cuarto trabajo titulado Audio, video, disco y del que ya nos han adelantado su primer single, el cual paso a compartir con ustedes a continuación

Y ahora dos canciones. Primero Pearl Jam, quienes dentro de unos días estrenan el documental dirigido por el sobrevalorado Cameron Crowe que conmemora los 20 años de la banda. Sabemos además que la agrupación se lanza de gira a fines de año con objeto de seguir celebrando su existencia y de paso nos visitarán por segunda vez, asunto imposible de no mencionar =)  . Por si todo esto fuese poco acaban de dejarnos en su web un nuevo, gracioso y simpático tema titulado "Ole". Una canción que mantiene la linea punkoide/Ramones de su último trabajo Backspacer. Nada muy novedoso la verdad pero suena bien. Acá va:

Y para finalizar la entrega de hoy: Björk. Una mujer que nos ha hecho esperar bastante por su último trabajo Biophilia, el primero luego de 4 años de absoluto silencio y hermetismo. Ya conocemos el listado de canciones que compondrán el álbum y dos adelantos. Primero fue "Crystalline" y ahora "Moon". Prefiero no emitir juicios "antes de" y una vez con el disco descargado comentaré como corresponde acá mismo en el  blog, creo que Björk se merece esa prudencia. Por el momento les dejo el tema que abrirá el trabajo, la mencionada "Moon".

Eso sería por esta ocasión. Mucha música, muy variada, colores, sonidos y una constante invitación a disfrutar de ella como de la vida misma, que el tiempo pasa y no vuelve. 

Björk al fin !!!

¡Ya era hora!

Muy pocas señales de vida musical ha dado la carismática islandesa Bjork durante el último tiempo. Ya son 4 años desde su último trabajo y el tiempo apura, sobretodo considerando el que Volta no dejó del todo satisfecha a la audiencia. Y es que la vara es siempre altísima con ella, quienes la adoramos nos negamos a aceptar que su momento más alto ya pasó e insistimos en esperar sencillamente lo mejor.

Ahora nos hemos enterado de que ha llegado a un acuerdo para presentarse en vivo el día 30 de Junio en el Festival Internacional de Manchester, lugar en donde presentará su nuevo trabajo titulado Biophilia. Proyecto que ha estado desarrollando junto a Damian Taylor en Nueva York y que promete ser el más ambicioso de su carrera hasta la fecha. La idea de Bjork es explorar una serie de modernas tecnologías tanto en el ámbito de grabación, presentaciones en vivo y lanzamiento del álbum (está pensado para ser funcionar mediante una serie de aplicaciones de IPAD).

Sea como sea las noticias son buenas. Ahora a esperar. Recordemos por mientras "Earth Intruders", la buena partida de su último álbum Volta.

Discos 2000 : Parte II

LOS MEJORES DISCOS DE LA DÉCADA

Año 2000: PARTE II

Continuamos con el recuerdo y aquellos discos que no envejecen...

Junio - 2000 - Deftones - White Pony

En medio de una tendencia que a fines de siglo XX se puso de moda y que por muchos fue denominada como "nu metal" fueron particularmente 2 las bandas que para mi llevaron su sonido un poco más allá del estilo y marcaron diferencias. Una de ellas fue Deftones (la otra System of a down) quienes con "White pony" explotaron al máximo y de gran manera aquella fórmula de "estrofa susurrada/coro chillón" encontrando al mismo tiempo un equilibrio perfecto entre buenas melodías y un sonido crudo. Llenos de ira en temas como "Elite" o "Street carp" , íntimos en "Teenager" o "Pink maggit" o melódicamente exquisitos en canciones como "Passenger" o "Knife party" de lo Deftones tiende a ser brillante en este disco. De lo mejor del año y de la década sin duda alguna.

Julio - 2000 - Coldplay - Parachutes (DISCO DEBUT)

El regreso a la simpleza y la belleza. Melódicos a rabiar, románticos, sencillos pero profundos. De todo eso y más se trató el debut de Coldplay quienes fueron capaces de entrar en la historia de la música con la ayuda de dos o tres acordes, un coro efectivo, una guitarra de palo y un piano. Acá es imposible no conmoverse con la declaración de amor que representa la tremenda "Shiver" o la popular "Yellow", con la melancolía que envuelve los acordes de "Spies" o "Trouble" . En ese sentido se debe reconocer que con "Parachutes" Coldplay no aspira a descubrir la pólvora ni juega a convencer con algo demasiado complejo por lo tanto es un disco que debe ser medido por lo que es y ahí fue donde el álbum golpeó con fuerza a comienzos de década. Es un disco lindo. Punto.

Septiembre - 2000 - Björk - Selmasongs

El comienzo de siglo encuentra a la maravilla islandesa en su mejor momento creativo y vocal. Tras el impecable "Homogenic"(1997) Björk decide internarse en un campo desconocido para ella hasta entonces: el cine y las bandas sonoras. Es así como protagoniza "Dancer in the dark", películón dirigido por Lars Von Trier que enlaza el drama y el musical de manera notable. Bjork como era de esperarse se hace cargo de la música y trabaja 7 piezas que en el contexto de la película simbolizan sueños de la protagonista (Selma), quien en medio de su pobreza imagina musicales vocalizados por ella. Hay mucho trabajo de percusiones, como es el caso de "Cvalda" o "In the musicals" y también arreglos de vientos muy bien trabajados en "I've seen it all" o "107 steps". Después de esta experiencia muy bien lograda la verdad es que no cabía otra cosa que preguntarse ¿Es que Björk lo hace todo bien? ¿Es que será perfecta esta mujer?

 

Octubre - 2000 - RADIOHEAD - Kid A

Otra maravilla. Esta vez a cargo de una banda que se debe escribir siempre con mayúsculas y negritas: R A D I O H E A D . Es que cuando hablamos de "Kid A" ya no entramos en el debate de si es este un buen disco o no, aquello ya les queda chico. "Kid A" es una obra maestra sin lugar a dudas. Estamos frente a un álbum que impresionó tanto en su momento que logró que por mucho tiempo nos olvidásemos de "Ok Computer" (¡probablemente el mejor disco de la década anterior!) y centrásemos las miradas en torno al nuevo experimento electrónico de estos ingleses. Con "Kid A" Radiohead se sale con la suya absolutamente pues logran con un disco indigerible a primeras (parece increible que sean los mismos que algún día compusieron "High & dry") seguir en el inconciente colectivo de las masas. Logran caerle bien a la crítica pese a comenzar un disco con 15 minutos absolutamente caóticos y a partir de ahí no meter ningún tema "potencialmente single". Definitivamente un disco que nadie debería morir sin oir.

Octubre - 2000 - U2 - All that you can't leave behind

Luego de una agitada década en donde coquetearon con la experimentación y se salieron un tanto de los márgenes permitidos para una "mega banda" , los irlandeses de U2 deciden recuperar terreno y jugar esta vez a la segura. Para esto sacan de la manga 11 canciones melódicamente muy sólidas, varios temas destinados a ser "super hits" ("Beautiful day", "Stuck in a moment" o "Walk on") y un sonido que probablemente encantaría a parte importante del mundo. Y bueno, así fue. Mucho dinero, mucho premio, muchas ganancias, mucho prestigio en general. U2 comienza la década (su tercera década por cierto) entregando un disco que los trae de vuelta a las pistas de la popularidad y de paso los mete en la historia definitivamente. Gran golpe para un álbum que si bien no es de mis favoritos de la banda si debo reconocer que es un muy buen disco. Canciones como "New york" , "Kite" o "When I Look at the world" muestran al mejor de los U2, logrando un sonido directo y absolutamente propio a estas alturas.

Noviembre - 2000 -

Marilyn Manson - Hollywood (In the shadows of death) Para muchos el último gran disco del "Reverendo Mr Manson" . "Hollywood..." es un disco que retoma la irreverencia y agresividad trabajada en ese tremendo "Antichrist Superstar"(1996) y que fue interrumpida brevemente con un excelente experimento titulado "Mechanical Animals" (1998). Manson vuelve a apuntar sus dardos de manera inteligente hacia los poderes que rigen el mundo: el gobierno y la iglesia. Los cuales permiten y amparan plagas en la tierra que van desde el materialismo y consumismo hasta guerras y violencia.

Las letras son sutiles y afiladas a la vez. En "Goteatgod" un lider mundial le escribe una carta a Dios afirmando "Querido Dios, tu sabes que si estuvieses vivo...te mataría" , en "The fight song" exclama iracundo un "No seré un esclavo de un Dios que no existe ni de un mundo al cual le importa una mierda" o en "Disposable teens" agradece a su padre y madre reconociéndo que "Nunca realmente odié a un Dios verdadero...fue al Dios de la gente al que odié". Y así, cada canción de "Hollywood" representa un mundo diferente, siempre oscuro, agresivo pero tremendamente astuto en el planteamiento de temáticas. Un excelente disco que al día de hoy sigue sonando vigente.

Y bien... ¡Qué tremendos discos tuvimos en la segunda mitad del 2000! Se agradecen como siempre los comentarios, las críticas y los diversos aportes. Ahora nos vamos al 2001...

¡Saludos!

Esteban