lunes, 9 de noviembre de 2026

Miley Cyrus: Bass Persuades (2026)

"Una de cal y una de arena..." 

No cabe duda de que durante esta década, particularmente tras la publicación de Plastic hearts (2020), la carrera de Miley Cyrus ha vivido un claro upgrade en términos de calidad, sin embargo y todo sea dicho, también la vocalista ha sido irregular. Yendo a lo concreto, Endless summer vacation (2023) no fue la consagración definitiva que muchos esperábamos (más allá del batatazo que significó el single 'Flowers') así como este reciente Bass persuades no está ni cerca de la frescura y atrevimiento de Something beautiful (2025), pareciendo más bien un disco menor que contiene las sobras que quedaron tras el mencionado, diez canciones que alternan pasajes cargados al dance y la electrónica con baladas y medio tiempos melosos que cuentan con el problema de constantemente tirar por lo obvio.

En Miley Cyrus siempre han convivido dos artistas, una osada, agresiva y sexual con otra muy rosa y estereotipada, algo similar a lo que le ocurría a Britney Spears en los inicios de su carrera, aunque en dicho caso era comprensible pues para ese entonces hablábamos casi de una adolescente que fue bruscamente insertada en el mercado cual producto en una vitrina. El caso es que esta dualidad es la que vuelve a aparecer en su más reciente álbum, la Miley más desatada aparece en el excelente single 'Bass persuades', en 'Innocent ways' (estas dos se pierden acá pero de haber estado en Something beautiful claramente habrían aportado), también en la sexy 'Different religion' (aunque la canción no es más que el coro, digámoslo), mientras que esa vocalista más melosa suena en la popera 'Let's get married', al piano en 'Orbit', entre las cuerdas de 'Redlight' o cerrando el álbum de manera insulsa mediante 'Snow'. Entre todas armarán un viaje breve (poquito más de media hora) que si bien no molesta tampoco impacta, un conjunto de canciones que no se entiende bien a que responden más allá de pretender mantener a la vocalista presente en el inconsciente colectivo.

A diferencia de sus pares dentro del pop, Miley Cyrus cuenta con un plus no menor: una potencial identidad. Su rango vocal y ciertas inquietudes creativas que ha mostrado en el pasado la destacan respecto al resto, sin embargo, en esta ocasión tanto desde lo musical como lo temático Bass persuades no entrega una versión novedosa de la vocalista Nuevamente la tenemos con las canciones de siempre hablando de lo de siempre (hombres, hombres y más hombres, dejo aquí al reflexión: ¿es qué en serio las voces femeninas no tienen OTRO TEMA del que hablar?) por lo que el álbum se anota como una intentona más por parte de una artista que continua entregando una de cal y una de arena con sus álbumes. ¿Llegará el momento en que definitivamente se decida a dar un salto cualitativo definitivo? Veremos. Por ahora seguimos esperando.

¿Canciones? 'Bass persuades', 'Innocent ways' y 'Redlight'.

6/10
Bueno, cumple...

viernes, 6 de noviembre de 2026

20 Años De ... Deftones : Saturday Night Wrist (2006)

"Reinventarse en el éxito..." 

Tras un disco tan imponente, arrollador e histórico como White pony (2000) a Deftones les tocó afrontar la envidiable pero no poco compleja experiencia de sobrevivir y reinventarse en el éxito. Como se lee. Publicar tras un álbum de tanto reconocimiento no debe ser cosa fácil, de hecho, a los de Sacramento les tomó aproximadamente una década rearmar una línea sonora, la cual acabó de consolidarse en la pasada por Diamond eyes (2009) + Koi no yokan (2012) pero encontró su génesis en el homónimo de 2003 y este Saturday night wrist, álbum que mirado a distancia resulta un disco especial en muchos sentidos, desde su sonido inquieto y oscilante, en constante búsqueda, hasta en lo práctico haber sido el último con Chi Cheng al bajo, quien en 2008 sufriría el fatídico accidente que acabaría años más tarde quintándole la vida. 

La historia es conocida. Comienzan a grabar junto a Bob Ezrin entre 2004 y 2005, sin embargo, los exigentes métodos de este no congenian con Chino Moreno, quien por entonces atravesaba una complicada crisis debido a adicciones además de en lo práctico presentar para aquellos años un daño vocal importante. Debido a lo anterior el vocalista abandona el estudio para regresar tiempo después junto a Shaun López, quien ejercería de co-productor en el período final de la mezcla. De todo este proceso, donde incluso se temió por el fin, es curioso que resultase algo tan compacto e interesante como Saturday night wrist (¡bravo por esos productores!), doce canciones que marcan el quiebre definitivo entre la banda y el nu metal desarrollado en sus inicios (y del que algo aún quedaba en el antecesor de 2003) dando paso a una etapa marcada por fluctuaciones bastante más lánguidas y emocionales.

Lo anterior es algo que la banda venía insinuando en el pasado (están en el camino canciones como 'Change (in the house of flies)' o 'Minerva') pero que acá es claramente profundizado, ya sea entre las atmósferas marcadamente oscuras y depresivas de 'Hole in the earth' que abren el disco exponiendo el pésimo momento que vivía Chino moreno en ese entonces o más adelante en piezas como 'Beware', 'Cherry waves' o 'Xerces', donde Deftones logran desarrollar una cadencia bastante característica , incluso sexy, que coquetea con el dream pop, aspectos a los que por cierto la banda sabría sacarle provecho más adelante en su carrera (ahí tienes a 'Sextape' como máximo ejemplo de lo dicho, una canción que incluso le ha servido a la banda para conectar con adolescentes en la actualidad). Este tipo de canción se complementará a lo largo del álbum con otras que recuperan la agresividad y el peso de discos anteriores, como 'Rapture', 'Rats! Rats! Rats!', 'Combat' o la exquisitamente armónica 'Mein' (esta con participación de Serj Tankian), armando un conjunto diverso aunque (casi) siempre atractivo donde lo único a reprochar sería la recta final, compuesta por experimentaciones (?) innecesarias en 'Pink cellphone' así como la pasada por 'Kimdracula' + 'Reviere', canciones de peso pero que no logran dar con el punto adecuado, quedándose en meros intentos de algo que no llega.  

Mirado a distancia Saturday night wrist es el disco que acabó por confirmar que Deftones serían capaces de sobrevivir, crecer y reinventarse tras el éxito obtenido por White pony. En dicho sentido aparece como un álbum crucial en la carrera de la banda, un conjunto que les muestra creativos y consistentes de la mano de atmósferas que abrieron un camino que le permitiría a la banda explorar y profundizar a futuro. 

¿Canciones? 'Hole in the earth', 'Cherry waves' y 'Xerces'.

7,8 / 10 
Excelente.

domingo, 1 de noviembre de 2026

My New Band Believe: My New Band Believe (2026)

"Desconcertante, para bien..."

Tras la disolución de Black midi sus integrantes se dispersaron en una serie de proyectos, fue así como en 2024 conocimos el (notable) debut de Geordie Greep, y bueno, My new band believe el "aquí estoy" del bajista y guitarrista Cameron Picton. Lo anterior no es baladí, pues cierto perfume a su ex banda encontramos en estas ocho canciones, ciertos afanes experimentales y atrevidos propios de un artista creativamente inquieto dispuesto a desafiar al auditor como pocos hoy intentan. Lo interesante, sin embargo, es que lejos de la estridencia o agresividad, el musico intenta en este álbum expandir las posibilidades del mundo folk/acústico en un trabajo efectivamente a ratos caótico y desestructurado pero que siempre mete mano a las cuerdas de nylon como herramienta de expresión. 

El debut homónimo de My new band believe resulta por tanto una experiencia curiosa, una especie de montaña rusa a ratos desconcertante, desde la partida mediante 'Target practice' nos encontramos con un álbum a ratos excesivamente meloso, adornado con vientos e interpretaciones tremendamente teatrales pero con una ruta de navegación que juega constantemente a la desestructura y a los giros sorpresivos, algo que continuaremos experimentando en los trece minutos que arman 'In the blink of an eye' + 'Heart of darkness', ambas presentando la curiosidad de coquetear con un sonido progresivo que no teme en sonar incorrecto y desprolijo, con baterías o guitarras que incluso van a destiempo. Así como se lee.

Otro elemento desafiante con que cuenta el trabajo es que prescinde completamente de coros o puentes "recordables", incluso en sus momentos más armónicos (la bonita balada 'Love story', por ejemplo) el sonido recurre meramente a un relato que se abre camino como un río en plena cordillera, simplemente avanzando y alimentándose de aquello que naturalmente encuentra en su camino. Esta sensación la percibimos con claridad en las acústicas, breves aunque siempre indescifrables 'Pearls', 'Opposite teacher' o 'One night', así como en otra ida de olla como 'Actress' (la gran joya del álbum), ocho minutos que nuevamente dan muestras de un artista absolutamente impredecible, donde nuevamente coquetean momentos teatrales con otros claramente emocionales e intensos. 

El debut de My new band believe descoloca pero en un mundo tan jodidamente falto de sorpresa como el que vivimos vaya que saben bien cosas como estas. Un trabajo ciertamente caótico pero que jamás deja la sensación de extraviarse en su eclecticismo. De lo bueno que habremos oído este año. 

¿Canciones? 'Heart of darkness', 'Actress' y 'One night'.

8,2 / 10
Excelente.

martes, 27 de octubre de 2026

Interpol: This Mirror Weighs A Ton (2026)

 "Lo mejor en largo tiempo..."

Interpol se han quedado en un limbo algo incómodo junto a una serie de bandas que alcanzaron veinte años atrás a saborear los últimos años en que el rock fue popular. Hoy todo ha cambiado, las guitarras ya no generan hits ni masividad y lo que vende dentro del género (aquello que llena estadios) es la nostalgia, no el presente. En dicha ruta a los de Paul Banks les ha costado sobrevivir. Intentaron deconstruirse con el homónimo de 2010 (disco que en lo personal sigo defendiendo y me parece injustamente despreciado) pero dicho paso no fue bien recibido por lo que en adelante han deambulado confundidos en el constante intento por emular el sonido que en sus inicios si funcionó. Las crisis, sin embargo, suelen ser motor inspirador para los artistas y aquello es lo que acá ha ocurrido con unos Interpol a quienes el oscuro momento que atravesamos a nivel global como sociedad les ha servido para encontrar un álbum profundo y reflexivo que consigue mostrarles tan efectivos como contundentes.

Dicho en simple, This mirror weighs a ton es uno de esos discos en donde las letras importan... y mucho. Sin ir muy lejos, el mismo título ("Este espejo pesa una tonelada") anticipa y hace sentido al transmitir la idea de tener que lidiar con una imagen que cuesta sobrellevar, de ahí que la apertura sea en un tono tan solemne entre crípticas líneas que abordan con sutileza este concepto ("Si queremos conectarnos a la dureza / El sentimiento se transforma en silencio / Entonces no sobreviviríamos / Pero deberíamos..."), algo que veremos reforzado con fuerza más adelante en la notable 'Wounded soldier', una durísima reflexión en torno al horror de la guerra ("Esto no es un show / Así es como sucede / Ese hombre, su cuerpo está ahí afuera / Enterrado en la nieve/ Su madre nunca lo sabrá / Su padre nunca lo encontrará..."), así como en los claros y grises que establecen respecto a sus Estados Unidos, apuntando los dardos con dureza en 'Even de actor' ("Vamos a lo opaco, este es mi viejo país / Un sueño sin fin...") o encontrando esperanza en la dedicatoria que regalan a Nueva York en la optimista 'Iron city'. 

El tono por lo general del álbum será reflexivo, encontrando sus puntos más altos en toda la fantástica Cara A del disco, sumado a los tonos acústicos de 'So rides the reindeer', mientras que canciones como 'See out loud' , 'Wings on fire' o 'Wake up' (esta muy centrada en el trabajo de batería) son las encargadas de entregarle mayor dinamismo y energía a un disco que destaca tanto en lo individual, colectivo como lo conceptual y cuyo único defecto se encuentra en el cierre, con tres canciones finales que no logran encontrar el punto final que merecía un álbum que por lo general ronda un nivel altísimo. Aun con esto último, This mirror weighs a ton (con Andrew Wyatt en producción) se anota como lo mejor que Interpol han grabado en larguísimo tiempo. Yo diría desde 2010, otros dirán que desde su trilogía inicial. Cosa de gustos...

¿Canciones? 'This mirror weighs a ton', 'Wounded soldier', 'Even de actor'

7,8 / 10
¡Muy bueno!


Otras reseñas de Interpol:

jueves, 22 de octubre de 2026

Beck: Ride Lonesome (2026)

 "El refrito del refrito..."

De dulce y agraz con el más reciente de Beck. Y es que si bien el vocalista ha compuesto un álbum bonito, cuidado y que efectivamente cuenta con más de alguna joya en su lista, la sensación a refrito es constante y potente. E incluso a refrito del refrito pues no olvidemos que en 2014 el estadounidense había publicado Morning phase, un álbum de corte acústico que funcionaba como contraparte para el mítico Sea change de 2002, esa maravilla tremendamente oscura con la que el vocalista supo exorcizar sus demonios y canalizar como pocos el dolor del luto post ruptura. El caso es que 2026 lo atrapa nuevamente en un momento emocionalmente complejo y bueno, junto a Nigel Godrich en producción se metió al estudio a grabar (nuevamente) un álbum honesto y descarnado pero que carga con dos problemas: el carecer de efecto sorpresa por lo que a ratos se vuelve demasiado predecible.

Grandes canciones acá hay, la mayoría concentrada en la primera mitad del álbum. Tienes ese comienzo empapado en melancolía que regalan las cuerdas de 'Ride lonesome' (aunque el perfume a 'The golden age', la partida en Sea change, no se lo quita nadie) o 'Run away', la absoluta intimidad que desprenden 'In the night' (vaya joya) o 'For your love', así como la delicadeza al piano de una preciosa 'Failed words', sin embargo, todo sea dicho: existe cierta redundancia en canciones como 'Disappearing act' o 'Slow canyon', al punto de que durante toda la Cara B del disco (quizás con la única excepción de 'It ends right here') convives con la sensación de que esto a Beck ya se lo has oído antes... y mejor. 

Ride lonesome no es en absoluto un mal disco, hay un tono "espectral" que ronda en las atmósferas del disco que funciona, temáticas que abordan tanto la pérdida como la (inevitable) soledad que viene de la mano con el paso del tiempo, sin embargo, salvo contados momentos el conjunto no consigue alcanzar la magia que realmente pretende. Las cosas como son. 

¿Canciones? 'Ride lonesome', 'In the night' y 'It ends right here'.

6,9 /10
(Muy) bueno.

martes, 20 de octubre de 2026

Chelsea Wolfe : The Dark (2026)

"Lo más amigable en su carrera..."

Una de las vocalistas más singulares de la actualidad está de regreso, y eso siempre será buena noticia. Y es que si algo tenemos asegurado con cada nuevo álbum de Chelsea Wolfe es que la estadounidense dará muestras de una búsqueda profunda y descarnada de su momento, como ha hecho con cada uno de sus álbumes. En el camino han quedado esos paseos por sonoridades tremendamente lúgubres que coqueteaban con el industrial, expresadas en trabajos como Abyss (2015), Hiss spun (2017) o el más reciente She reaches out to she reaches out to she (2024), así como exploraciones fuera de la caja encarando el folk en Birth of violence (2019), trabajando proyectos paralelos junto a Converge en 2021 o con Tyler Bates mediante la banda sonora de X (la película de 2022). La ruta ha sido intensa, Chelsea Wolfe nos ha dado bastante durante estos diez años por lo que un disco más reposado como The dark hace sentido en el papel, un conjunto bastante cercano, ameno de oír y que muestra a la vocalista más "amigable" que en cualquiera de sus antecesores.

Lo que tenemos acá entonces son diez canciones que en cuarenta minutos navegan por temáticas relacionadas con el desamor y la pérdida, esto entre estructuras plenamente reconocibles con estrofas, puentes y coros marcados, aunque claro, siempre con el sello oscuro y gótico de Chelsea. De esta forma, la oiremos abriendo entre cuerdas mediante 'Cold' (toda una declaración de intenciones abriendo con ese "Te dejo ir / Necesito saber quien soy sin ti...") para luego ir ensuciando la atmósfera, con una cosa muy The cure en la dinámica 'Seethe', abrazando baterías electrónicas en 'Humours' o apostando por un relato más tétrico en la excelente 'Swallower'. Estas canciones, sin embargo, serán excepciones dentro de un álbum que en general persigue atmósferas limpias, ya sea entregándose a la calma del folk en 'Halo' + 'The dark' (que recuerda un tanto el sonido que PJ Harvey viene abrazando en sus últimos discos), coqueteando con el pop en la melosa 'I'm not there' o yendo al piano en 'Dancer in the sky', esto para en la recta final entregarnos la que claramente es la gran joya del álbum: 'Death is not the end', una abre en la más absoluta calma acústica para en el camino ir metiéndole suciedad al tema. 

Puede que Chelsea Wolfe nos haya traído acostumbrados a trabajos ariscos por lo que este The dark luzca demasiado sencillo en apariencia. Y es que lo es. La vocalista ha abierto el pecho hacia canciones más reconocibles que lo habitual, aunque jamás dejando de ser ella. El resultado continúa luciendo satisfactorio y aparece como una salida a tomar aire que el tiempo dirá si queda solo en esto o más bien representa el inicio de un nuevo ciclo.

¿Canciones? 'Cold', 'Swallower' y 'Death is not the end'.

7,5 / 10
¡Muy bueno!


Otros álbumes de Chelsea Wolfe:

viernes, 16 de octubre de 2026

He Visto A... BTS (14/10/2026)

"Cercanos, pese a la enormidad..."

Acompañé a mi hija a ver a BTS. Sinceramente no sabía demasiado de la banda, ni de dinámicas de fans o siquiera como sería el show. Estaba enterado de que este año se habían publicado algunos de sus conciertos de manera oficial pero ninguno lo vi, a lo más había hecho las tareas escuchando el reciente Arirang (del que escribí acá en el blog) por lo que iba a este concierto realmente abierto a la sorpresa. ¿Y con qué me encontré? Pues con un espectáculo en 360 grados, un escenario inmenso pensado para que absolutamente todo el público, donde sea que estuviese ubicado pudiese disfrutarlo a tope (primer punto positivo a destacar), y a unos BTS que pese a lo plástico del show se vieron bastante entregados a la causa, con momentos de sincera conexión con el público (segundo check). Desde lo musical el asunto si deja un tanto que desear para uno que viene del mundo análogo, pues dicho en simple: esto es (prácticamente) todo playback, y digámoslo, tampoco es que coreográficamente el asunto fuese demasiado impactante. Si, que los chicos bailan, pero esto no es Michael Jackson ni nada parecido, ni siquiera Lady Gaga o Britney, por lo que la excusa del doblaje debido al esfuerzo físico no cuela demasiado. Ahora, dicho lo anterior, realmente a muy pocas fanáticas les debe haber interesado el que BTS no canten (si, que hubo momentos en que cantaron, lo sé, pero fueron los menos) y más bien le den play a sus canciones desde el computador en la mesa de sonido, o que sobre el escenario no hubiese un solo músico siquiera; pues los chicos son un fenómeno en sí mismos y ellas asisten a rendirles culto. Y no hay más. 

El escenario de la gira es bastante inmenso, con cuatro brazos que a momentos son ocupados por los siete integrantes (sumado a un grupo numeroso de bailarines que les acompañan) y que cuentan con la particularidad de estar ubicados a muy baja altura por lo que seguro aquellas fans que estaban en cancha les tuvieron muy cerca en determinados momentos del show. 

Lo mejor de la noche por tanto me pareció la cercanía que BTS muestran hacia su audiencia (han sabido fidelizar al cliente, eso claro está), con pasajes en que se comunicaron con la gente incluso en español (realizando simpáticas referencias a elementos propiamente chilenos), así como la participación constante de las fans, que fuera de gritárselo todo, marcan presencia con unas linternas (las cuales compran por cerca de 100 dólares cada una) que se encienden de manera sincronizada junto a cada canción por lo que a veces el estadio estuvo rojo, a veces púrpura, amarillo, verde o azul, siendo esto algo bastante impresionante de presenciar en directo. 

Me quedo entonces con eso. Un espectáculo que en gran parte lo hace la gente, una banda bastante entregada (notable el momentazo en que BTS junto a sus bailarines recorren todo el estadio realizando una especie de vuelta olímpica) y una producción que desde el armado del escenario o la presencia de pantallas gigantes en 360 grados aseguran al espectador la visualización de un show de primer nivel. Sin embargo, de todas formas hubo detalles que quedaron al debe, al menos conmigo. Al concierto le faltaba cierta continuidad a ratos, por ejemplo, con ventanas (al menos dos, donde los integrantes van a cambiarse de vestuario seguramente) demasiado extensas (duraban más de cinco minutos, eran realmente eternas), mientras que la espectacularidad del escenario en cuanto a tamaño no me pareció fuese congruente con los efectos visuales que se presentan. Algún fuego artificial o juegos de luces, pero nunca sentí estar viendo algo realmente impresionante o único. Con todo, disfruté bastante del concierto y bueno, mi hija estaba feliz, que era finalmente lo realmente importante. 

Sonido: 7 (muy despacio al comienzo, luego le subieron)
Interpretación: 5 (90% playback, más allá del alguna balada o momento a capella) 
Puesta en escena: 7 (muchos bailarines sobre el escenario a ratos confundían la presentación. A destacar aquellos momentos en que la banda se comunicó o acercó con el público).  
Complementos: 7 (el escenario, inmenso e impresionante, pero faltaron más fuegos artificiales y que la estructura + pasillos se iluminase siendo mayor aporte al show. El detalle de las lámparas que se sincronizan es precioso, pero eso lo arma la gente, no necesariamente la producción)
Lista de temas: 8 (centrado en su último disco, lo cual siempre me parece positivo, pero con varios momentos enfocados en temas emblemáticos de discos anteriores)

6,8 / 10
(Muy) bueno.