Winterfylleth: The Unyielding Season (2026)

 "Oscuridad salvaje y para nada amable..."

Desde 2008 a la fecha que estos ingleses no han parado de publicar. Con la única excepción del período 2020/24, la banda viene lanzando con precisión quirúrgica un álbum cada dos años, desarrollando durante estas casi dos décadas de carrera (joder, como pasa el tiempo...) un tándem que oscila entre un furioso black atmosférico y momentos cristalinos de absoluta paz. Así como se lee. En los álbumes de Winterfylleth puedes encontrar el infierno mismo así como pasajes de tranquilidad cargados a las cuerdas, y si bien este último aspecto fue llevado al extremo en un álbum como The hallowing of Heirdom (2018), disco en donde dejaron completamente de lado el metal y se lanzaron de lleno al folk entre guitarras acústicas, relatos y violines (un bonito disco que recomiendo), desde entonces la banda ha retomado lo que mejor saben hacer, dígase, ese black oscuro y nada de amable con el auditor matizado con uno que otro breve momento de calma, y bueno, este The unyielding season llega para dar continuidad a esa línea.

Lo que tenemos acá por tanto son diez canciones de un black a la vieja usanza que prácticamente no regala tregua (la portada anticipa). Sin ir muy lejos, toda la primera parte del álbum funciona como un bloque compacto donde las capas de guitarras, una batería incesante y los alaridos de Chris Naughton son característicos (este último aparece bien debajo en la mezcla eso si, lo cual aporta a la sensación de caos que el sonido pretende). No hay medias tintas por tanto en toda la pasada que va desde 'Heroes of a hundred fields' hasta 'Perdition's flame', armando casi treinta minutos compactos que gustarán a quien disfrute del filo más oscuro del género, aunque claro, pecará de monótono ante cualquier auditor de metal que no conozca demasiado a la banda. 

Dicho lo anterior, lo más interesante en el álbum aparecerá a partir del nudo cuando 'The unyielding season' baje los tiempos y aspire a desarrollar una atmósfera más profunda y no tan salvaje, mientras que 'In ashen wake' mostrará una elegante introducción de teclados que durante tres minutos preparan terreno para el posterior desate. Lo atractivo, sin embargo, en esta última serán las guitarras que irán sosteniendo la atmósfera e intensidad del tema (desde el minuto cuatro en adelante), construyendo uno de los pasajes más llamativos en todo el disco. Entre ambas sonará además el instrumental 'Unspoken elegy', el cual derechamente se internará en terrenos acústicos, dando muestras de esa otra faceta más pacífica que Winterfylleth suelen desarrollar en sus trabajos. 

Habiendo llegado a este punto del álbum, algo como 'Towards elysium' termina disfrutándose muchísimo más, pues retoma el salvajismo del sonido (aunque con unos pasajes melódicos exquisitos) viniendo de una serie de canciones diversas por lo que el matiz se percibe, más aún cuando el disco cierra con un gusto que los ingleses se han dado: una versión seca de 'Enchantment' de Paradise lost, todo un regalo. 

La sensación que deja por tanto este The unyielding season es la de ser un álbum que va de menos a más, que abre de manera algo tradicional e incluso monótona para pasando el cuarto tema ir abriendo un abanico más que interesante. La lista de canciones no ayuda a la experiencia y ciertamente de haber sido un disco más corto el asunto habría funcionado aún mejor. Se entiende en todo caso el que la banda insista en meter todo lo que tienen en sus trabajos pues al fin y al cabo saben que quien llegue a ellos sabe muy bien a lo que va...

¿Canciones? 'In ashen wake' y 'Towards elysium'.

7,5/10

¡Muy bueno!

At The Gates: The Ghost Of A Future Dead (2026)

 "Despedida en velocidad crucero..."

Cuesta en ocasiones dejar de lado la contingencia a la hora de analizar un álbum, y bueno, este es uno de esos casos. Pioneros en esto del death melódico, los suecos At the gates acabaron por dejar una piedra fundamental en el camino (Slaughter of the soul, 1995) para luego pausar por casi veinte años, regresando en 2014 con el objetivo de reafirmar su legado. Fieles a lo suyo la banda había entregado tres sólidos álbumes hasta dar a conocer la trágica noticia del cáncer de paladar sufrido por Tomas "Tompa" Lindberg. Y bueno, tras su lamentable muerte a los 52 años de edad en septiembre pasado supimos que el vocalista había alcanzado a plasmar un registro para que el sería el próximo lanzamiento de la banda. Esta colección de canciones funcionan por tanto a modo de epitafio para un músico de aporte invaluable, una especie de Innuendo (el último álbum de Queen), dígase, un disco donde el vocalista entregó lo último de sí antes de someterse a varias intervenciones quirúrgicas de inciertos resultados. 

Fuera del elemento emocional (insisto, imposible de dejar de lado al oír cada una de estas canciones), lo que encontramos en The ghost of a future dead es una colección de doce piezas directas breves y efectivas (todas rondan los tres minutos) en donde At the gates insisten sobre colecciones de riffs propias del estilo que ellos mismos supieron tan bien desarrollar décadas atrás. No hay sorpresas por tanto en esta lista que peca de monótona ciertamente (al sexto o séptimo tema te pasa que sientes que estás escuchando siempre el mismo) debido a la velocidad crucero que la banda imprime en canciones como 'The fever mask', 'The dissonant void' o 'A ritual of wasted', siendo breves momentos en 'Det Oerhörda', 'Parisitical hive' o 'The phantom gospel' aquellos que aportan un pequeño matiz al colocar el peso por sobre la velocidad, dejándonos un álbum que en lo suyo ciertamente cumple pero que inevitablemente se valora de mejor forma debido al factor emotivo que implica la partida del emblemático Tompa. 

Cuando perdemos a un músico el duelo es especial. Fuera de lo humano propiamente tal también está el lamentarnos por la música que nunca llegaremos a recibir a causa del deceso. Este es uno de esos casos. The nightmare of being (2021) había sido un disco notable en donde At the gates habían podido dar pasos fuera de la caja. Aquello, sin embargo, ha quedado truncado. The ghost of a future dead por supuesto que está lejos de ser un desastre pero al estar influenciado por el trágico momento, la banda inevitablemente ha acabado por tirar de lo obvio, dejándonos un álbum de peso emocional pero que desde lo musical se encuentra un peldaño abajo respecto a cualquiera de sus antecesores.  

¿Canciones? 'Parisitical hive' y 'The phantom gospel'

6,5 / 10

Cumple y algo más...

Otras reseñas de At the gates:

2021: The nightmare of being

2017: To drink from the night itself

2014: At war with reality

Immolation: Descent (2026)

 "Oscuro y opresivo..."

¿Qué se puede decir a estas alturas respecto a Immolation? Una verdadera leyenda del death técnico que por más de treinta y cinco años ha sabido posicionarse como un verdadero bastión del género. Y si bien cada nuevo disco de la banda va más o menos por donde mismo, viene bien cada cuatro o cinco años recibir una fuerte dosis de metal oscuro y opresivo, que es lo que volvemos a encontrar en este sólido Descent, otra descarga que muestra a la dupla compuesta por Ross Dolan + Robert Vigna plenamente vigente e inspirada. Con notable portada (Eliran Kantor una vez más) lo que encontramos en estos cuarenta minutos de música es ese metal desaforado, brutal en términos de ejecuciones pero suficientemente interesante en cuanto a estructuras como para mantenerte atento a cada canción. 

Por tanto, desde la partida a cargo de 'These vengenful winds' hasta el cierre mediante 'Descent' (la canción) lo que encontramos acá es una velocidad controlada, un sonido ágil que sabe cada ciertos momentos detenerse a tomar aire para continuar con otra ola de bestiales descargas marcadas por esas guitarras afiladas y vocales profundas. En dicho sentido, salvo alguna canción como 'God's last breath' u 'Host', ambas medios tiempos marcados por los incesantes redobles en batería del siempre notable Steve Shalaty, el álbum es bastante regular en términos de formas, acelerando en 'The ephemetal curse' o 'Adversary', y apostando por el peso aplastante en 'Attrition', armando así un conjunto que será manjar para cualquier amante de un death violento, ejecutado con pulcritud y pensado al detalle. 

Pues lo dicho, que Immolation hacen muy bien al hacer esperar sus trabajos pues logran que valoremos de mejor forma cada una de sus descargas. Descent es otra pieza notable que se enmarca dentro de una discografía a la que se le podrá criticar la falta de sorpresa pero no la escasez de talento y entrega.

¿Canciones? 'God's last breath' y 'Descent'.

7,8 / 10

¡Muy bueno!

Otras reseñas de Immolation:

2022: Acts of god

2017: Atonement

Møl: Dreamcrush (2026)

 "Frescos y envolventes..."

Dentro de la camada de bandas que han abrazado el llamado blackgaze durante la última década, los daneses Møl aparecen como un nombre que con tan solo un par de álbumes lograron ganarse un espacio en la escena. En dicho camino, Jord (2018) y Diorama (2021) emergieron como excelentes discos donde predominaron las atmósferas envolventes (melancólicas incluso) enlazadas con pasajes feroces aunque siempre matizados con exquisitos elementos melódicos , siendo este último el componente que la banda ha decidido exacerbar en su más reciente álbum. Podríamos afirmar sin asco por tanto que la agrupación ha azucarado su sonido, que han bajado un par de cambios en términos de agresividad para volver sus canciones algo más accesibles. Y si. Lo interesante, sin embargo, es que nada de esto ha ido en perjuicio de la propuesta, la cual sigue sabiendo a gloria durante varios pasajes y funcionando de maravillas como conjunto. 

Hay mucho que destacar acá, tanto individual como colectivamente. La banda no se ha complicado en términos de duración, nuevamente entregándonos un disco conciso de cuarenta minutos con canciones que jamás se alargan más allá de lo necesario. Es como si Møl tuviesen muy claro el potencial de cada una de las pequeñas joyas que inteligentemente han ido soltando a lo largo del camino, por lo que no han sentido la necesidad de ostentar técnica ni complejizar artificialmente el sonido. Un buen ejemplo de esto es la partida a cargo de 'Dream', muy atmosférica en su minuto inicial para luego soltar una sucesión de estrofas sin que la canción necesariamente llegue a un coro marcado. Son tres minutos que perfectamente podrían haber sido un tema instrumental que antecediese al abanico sonoro que en adelante desplegará el álbum, marcado principalmente por los ganchos melódicos que se proponen, alcanzando momentos notables en las guitarras de 'Young' o ya avanzado el disco en 'Dissonance', los pasajes más íntimos y desnudos de 'Hud' o en ese sonido increíblemente abrasivo que regala la pasada por 'Garland' + 'Favour', por cierto, entre ambas armando el momento más brillante en todo el disco. 

En términos estructurales, el tándem estrofa limpia / coro desgarrado será la fórmula que el álbum por lo general desarrollará, encontrando un punto alto en la ya mencionada 'Garland' pero funcionando también de buena forma en canciones como 'Sma forlis' o 'A former blueprint', esto a diferencia de 'Mimic', que será la única en todo el álbum que se acercará con mayor claridad a un metal más duro o el cierre a cargo de 'Crush' que suena como lo más ambicioso en todo el trabajo, siendo la única además que llega casi a los seis minutos de duración.  

Møl han sabido sortear el siempre complejo desafío del tercer álbum con una soltura y elegancia que impresiona. Se han alejado de la oscuridad y violencia de sus inicios diez años atrás y aquello seguro alejará a aquellos seguidores más ortodoxos, acá es poco y nada lo que queda de black en la banda, eso hay que decirlo. Sin embargo, aquella ausencia se ha suplido con frescura y una cohesión sonora exquisita. La banda ha suavizado su música, si, pero siguen rebosantes en talento a la hora de construir canciones envolventes. Aquí el abanico se ha abierto y veremos hacia donde disparan a futuro pero por ahora, nos han vuelto a entregar uno de los buenos discos que habremos oído en el año.

¿Canciones? 'Young', 'Garland' y 'Favour'.

8,2 / 10

Excelente.

Otras reseñas de Møl:

2021: Diorama

Bunbury: De Un Siglo Anterior (2026)

 "Abrazando el presente..."

Más allá de las idas y vueltas que ha dado en su carrera, si algo no se le puede negar a Enrique Bunbury es la capacidad que ha mostrado para siempre invitarnos a abrazar el presente. El tipo podría vivir de giras de reencuentro junto a Héroes del silencio, sin embargo, constantemente se ha negado a aquello y en cambio ha optado por un camino muchísimo más desafiante: el de la creación y el riesgo constante. 

En dicho sentido convendría también admitir que el español se encuentra viviendo su momento creativo más regular y talentoso en al menos veinte años, así como se lee. Desde hace un tiempo el vocalista viene agarrando experiencia y aprendiendo de los errores del pasado, sus discos han dejado de ser esos ensayos eternos, verborreicos y exagerados para lentamente ir adoptando posturas sobrias y reflexivas. En su ruta lo más reciente fue el sólido Cuentas pendientes (2025), un trabajo donde predominó su fascinación por los sonidos latinos (algo que viene explorando desde Pequeño, allá por 1999), y bueno, este De un siglo anterior insiste en dicha senda, con la curiosidad de mejorar incluso la propuesta respecto a su antecesor, lo cual llama la atención considerando que el disco llega apenas un año más tarde. Pero insisto, que Bunbury anda tocadísimo... 

Desde un comienzo acá captamos por donde irán los tiros, medios tiempos y personales baladas en donde el vocalista vuelve a mirar hacia adentro, a reflexionar respecto al paso del tiempo, el fracaso y la necesidad de aprender del error. Bajo esta última idea es que el álbum abre en un tono bastante optimista mediante 'Creer que se puede creer' (el título anticipa) y la fantástica 'Brindis al sol', una de aquellas canciones dispuestas a vivir en nuestro sub consciente por siempre (y de esas el español vaya que tiene varias) gracias a la complicidad que sus fantásticas líneas ("¿Quién va a lloriquear por los años que pasan? / En la imagen que devuelve el espejo no te reconocerás...") encuentran entre arreglos de cuerdas sobrios pero llenos de magia. En la misma línea profunda que mira hacia el pasado para tomar impulso se mueve otra joya como 'La voz' ("Que más da cuanto te equivoques Siempre puedes echar marcha atrás / Regresar, completar el ciclo / Y quizás volver otra vez hasta el mismo lugar...") y delicadas piezas como 'La próxima vez no habrá próxima vez'. 

El álbum ha sido grabado en su adorado México, y vaya que se nota. El perfume latinoamericano se huele todo el tiempo y se percibe con claridad en un sentido bolero como 'De un siglo anterior', donde realmente pareciese definirse entre líneas como "No hay más brújula que la convicción...", al meterle sabor a la cosa en 'Peor que como estamos (es difícil ya que estemos)', el tema más político y punzante de la lista, en los coqueteos con el tango en 'En el arcén' o la sentida 'Zamba para olvidar'. Bunbury claramente se ha empapado de estos sonidos, ha trabajado con múltiples músicos y seguro ha sabido escuchar, lo cual ha derivado en un trabajo que jamás suena a caricatura y muestra un notable crecimiento para un artista que vuelve acá a encontrar un punto altísimo en su carrera. Y ya van...

¿Canciones? 'Brindis al sol', 'La voz', 'De un siglo anterior'.

8 / 10
Excelente.

Otras reseñas de Bunbury:
2025: Cuentas pendientes

2023: Greta Garbo

2020: Curso de levitación intensivo

2020: Posible

2017: Expectativas

2013: Palosanto

1997: Radical Sonora

1995: Avalancha (con Héroes del silencio)

1990: Senderos de traición (con Héroes del silencio)

He Visto A ... Korn (8/5/ 2026)

 "Expectativas superadas..."

Con más dudas que certezas fue que asistí este viernes pasado al recital de Korn en Santiago de Chile. Dudas primero por el lugar donde se realizaría el evento: el polémico Parque Estadio Nacional, un recinto habilitado apenas unos años atrás y que en conciertos previos (System of a down en 2025 o ACDC este 2026) había dado que hablar por la mala organización de sus productoras (Lotus y DG Medios) sumado a un lugar que no parecía ser óptimo para este tipo de recitales. Y luego estaban las dudas musicales, ¿me encontraría con unos Korn aún en pleno nivel o más bien con un remedo de lo que alguna vez fueron? Pero bueno, había que ir para salir de toda duda...

La tarde comenzó bien, todo sea dicho. Llegué temprano por lo que a las 17.30 hrs pude disfrutar del show de Seven hours after violet, la banda de Shavo Odadjian (el bajista de System of a down para quien no lo sepa) y un entregadísimo Taylor Barber en voces, esto para tipo 19 hrs presenciar a unos sólidos Spiritbox. Todo bien con la previa por tanto, mucho metal y peso anticipando una noche que prometía. Finalmente a las 21 hrs casi en punto apareció Korn, sonaron los primeros acordes de la mítica 'Blind' y junto a ellos apareció el FESTIVAL de teléfonos. Nada nuevo en todo caso, que sabemos mucha gente va a los recitales a grabar más que a gozar. Es parte del mundo en el que vivimos y no hay mucho que hacer al respecto. 

En adelante el concierto fluyó de muy buena forma. Mis dudas respecto al recinto se saldaron rápido, iba con la idea de que no vería ni escucharía bien, sin embargo fue todo lo contrario. La llamada "cancha vip" era pequeña y como llegué temprano, pude estar muy adelante en la cancha general, prácticamente en la reja, por lo que vi bien el show, que contaba además con dos pantallas laterales inmensas. Respecto al sonido, los cuatro primeros temas sonaron algo bajos pero en adelante le subieron y la cosa sonó impecable. Desde lo técnico por tanto, todo bien.

¿Y Korn? Dignos, más que dignos. Es cierto que Johathan Davis hace lo que puede. El sobre peso y los años hacen lo suyo por lo que el tipo va justito de voz, hay temas que le cuestan ('Ball tongue'), otros donde no logra llegar donde antes lucía ('Somebody someone') y dado que pierde algo de aire la banda debe tocar varias canciones bastante lentas ('Here to stay', 'Got the life'). Ahora, dicho lo anterior, de todas formas el vocalista salva los muebles y los músicos que le acompañan son de primera, destacando el peso característico de Brian Welch en guitarra, la sólida batería de Ray Luzier (en la banda desde 2008 a la fecha) y el chileno Ra Diaz en el bajo, quien lució completamente feliz durante todo el show. Respecto a las canciones, bueno, fue un show de "grandes éxitos" sumado a algún regalo para los fans ('Dirty', por ejemplo, una joyita de Issues  o el haber oído 'Clown' en vivo, algo que por si solo ya hizo que la noche valiese la pena). En lo personal extrañé la presencia de material de estos últimos veinte años (fuera de la nueva 'Reward the scars', la única canción post 2003 que sonó fue 'Cold'), pero bueno, la banda desde hace rato ha asumido que deben centrarse en su primera década porque aquello es "lo que la gente quiere oír".

En definitiva, el show sonó bien, la banda estuvo impecable, pude ver y oír bien, los teloneros pusieron el peso que la jornada ameritaba por lo que me la pasé excelente. La sensación que me quedó es la de haber podido ver a Korn (aún) en plena forma. En diez años más quizás la realidad sea otra...

Lo que sonó:

Partida activa: 'Blind' + 'Twist', 'Here to stay' + 'Got the life' , 'Clown' + 'Did my time'

Primer respiro: 'Shoots and ladders' (con cierre haciendo 'One' de Metallica) 
Subidón: 'Coming undone' + 'Reward the scars' + 'Cold' + 'Twisted transistor' 
Segundo respiro: 'Dirty''
Comienzan los hits que anticipan el final :'Somebody someone' + 'Ball tongue'  + 'Y'all want a single'.

Recta final: '4U' + 'Falling away from me' + 'A.D.I.D.A.S' + 'Freak on a leash' 

Sonido: 8 (de menos a más)
Interpretación: 8 (la banda, impecable. Jonathan Davis al limite...)
Puesta en escena: 9 (mucha entrega por parte de cada integrante).  
Complementos: 8 (dos pantallas laterales grandes y bastante apoyo visual detrás de la banda)
Lista de temas: 7 (muy centrado en sus primeros discos, poco espacio para lo hecho en los últimos veinte años)

8/10

Conciertazo.

Los Tres : XCLNT (2026)

 "Es lo que hay..."

Para quienes ya tenemos ciertos años, el regreso de Los tres se siente como un deja vu, una especie de "esto ya lo he visto". Y es que dos décadas atrás también volvieron, realizaron algunos conciertos (registrados en el álbum Arena de 2007) y lanzaron un álbum en piloto automático (Hágalo usted mismo), el cual contaba con una que otra cosita interesante pero en donde se extrañaba a la banda, digamos, esa profundidad sonora que los chilenos tan bien supieron desarrollar durante los años noventa. El caso es que todo aquello lo hemos vuelto a vivir en este 2025/2026: anuncio de que regresan con formación estelar (Álvaro + Titae convencieron tanto a Ángel Parra como a Pancho Molina de volver) realizando una gira de grandes éxitos por todo Chile (La revuelta le han llamado esta vez), y bueno, con posterior noticia de que se metían al estudio (nada más y nada menos que el mítico Abbey Road) a grabar un nuevo disco. El dilema, sin embargo, con esto de las reuniones es siempre el mismo: son juntas algo forzadas, sin el hambre de antaño por lo que finalmente a los auditores no nos queda otra que conformarnos con "lo que hay" (o lo que queda), y eso es precisamente lo que encontramos en este XCLNT, gratos resabios de una banda que treinta años atrás fue muy pero muy grande y hoy se limita con cumplir.

Dentro de lo positivo que encontramos en el álbum está el que la presencia de Pancho Molina en batería se hace sentir, ya sea en los interesantes redobles que aparecen en las folclóricas 'Como llegaste te vas', 'Perro muerto' o 'Alma a la deriva' así como en la base rítmica de 'La vida al revés'. De igual forma se agradece el que la banda aparezca en pleno en algo como 'Peor que mal' (algo obvia esta en sus estrofas pero melódicamente exquisita en los coros) y también el que la pluma de Álvaro Henríquez se muestra en buena forma en 'Cantar y amar' al referirse a su cercanía con la muerte durante estos pasados años ("Sorprendido de estar en el planeta / Esperando la cuenta y la condena / Asombrado de estar aquí de vuelta / A vivir todo lo que nos resta..."). En general el disco se muestra diverso acoplando cuecas con un meloso medio tiempo como 'Vendaval de otoño' e interesantes aceleraciones en 'Inri', sin embargo, no todo funcionará, quedándose en lo obvio en el rock simplón de 'Al menos solo por hoy', mientras que 'Empelota' emula al borde del plagio los acordes de una vieja gloria como 'Te desheredo' (1994) y 'Que vuele' intenta en el cierre generar un efecto similar al de 'La sangre en el cuerpo' (1999), aunque evidentemente no lo consigue.

Lo que nos queda entonces es otro disco correcto e inofensivo que Los tres suman a su discografía. Está claro a estas alturas que Álvaro Henríquez es incapaz de componer un mal álbum pero de ahí conseguir la magia de antaño existe un largo trecho. 

¿Canciones? 'Cantar y amar', 'Como llegaste te vas' e 'Inri'.

6,5 / 10
Cumple y algo más...

Otras reseñas de Los Tres:
2015: Por Acanga
2010: Coliumo
2006: Hágalo usted mismo
1997: Fome
1995: La espada y la pared