sábado, 14 de noviembre de 2026

He Visto A... León Gieco (10/11/2026)

 Para mi amigo Igor, por ir siempre a todas...

Abriré con una reflexión y provocación a la vez: Por alguna extraña razón el legado de León Gieco no ha envejecido bien en Chile (ignoro como será en otros países). ¿Será que somos un país demasiado conservador? ¿Qué el efecto post dictadura hizo lo suyo provocando que en mi país la música comprometida con ciertas causas políticas generase un grado de rechazo? ¿El que debido a su discurso directo y agudo no ha tenido visibilidad en pantallas acá (nunca en estos treinta años lo invitaron al Festival de Viña del mar, por ejemplo, o a programas de televisión)? ¿Tendrá que ver también el que León ha publicado poco en estos últimos veinte años lo cual sumado a la era streaming le ha sentado fatal al conocimiento de su obra? Quizás de todo un poco. Lo cierto es que a partir de 2000/10 la música del argentino ha tenido acá poca y nada llegada con nuevas generaciones, quedando anclada en un público mayor, dígase, mayores de cuarenta o cincuenta años. 

Este fenómeno en lo personal me resulta curioso, sobre todo considerando que el argentino a partir de 1990/2000 realizó importantes esfuerzos por actualizar su catálogo, publicando álbumes como Mensajes del alma (1992), Orozco (1997) o Bandidos rurales (2001), los cuales equilibraron su relato agudo, crítico y contingente con un sonido folclórico moderno, de producción prolija y bastante cargado al rock de guitarras. Esos tres son discazos que recomiendo oír a cualquiera que esté leyendo esto. Posteriormente llegó un sólido Por favor, perdón y gracias (2005), disco que incluyó el que seguramente será su último éxito ('El ángel de la bicicleta', aunque nuevamente, acá en Chile no sonó en absoluto) y desde entonces ha sido poco, solo un par de discos: El desembarco (2011) y el más reciente El hombrecito del mar (2022). 

Como sea, fuimos pocos quienes asistimos este martes pasado a verlo al Teatro Nescafé de las Artes (décadas atrás llamado "Teatro Providencia"), un recinto pequeño que puede recibir a un poco más de 900 personas y que ni aún así se encontraba completamente lleno (estaba a un 90% de su capacidad). Ahora, dicho TODO lo anterior, lo que vivimos quienes estuvimos ahí seguro fue tremendo, un conciertazo íntimo como pocos, hermoso e inolvidable. Lo digo desde ya: uno de los mejores recitales que he presenciado en mi vida. Al menos en el Top 3, como se lee. 

Es difícil que pueda explicar en palabras lo que se vivió esa noche pero lo intentaré. La escenografía era sencilla y minimalista. Una pantalla que simulaba un televisor (de esos antiguos con perillas) en donde alternaban videoclips de León Gieco mientras nos acomodábamos en las butacas. A eso de las 20.30 hrs comienza a sonar 'Hombres de hierro' interpretada por un León muy joven (años setenta), y en eso ingresa el vocalista solo con su guitarra y mítica armónica, acompañando el canto del tema. Lo que se nos vino en adelante fue un concierto repleto de relatos, León Gieco conversó con nosotros previo a cada una de las canciones que interpretó, explicándonos de donde nació, dividiendo el show en distintos segmentos, siempre con humor y gracia, simpatía y cercanía. 

Abrió el show hablándonos de su último disco El hombrecito del mar, asumiendo de entrada que nadie del público lo había oído por lo que nos invitaba a escucharlo. "Está bueno, créanme!" - nos dijo. De ahí interpretó dos o tres canciones, recuerdo a las preciosas 'El orgullo' y 'Las ausencias'. Posteriormente vino un pasaje que él tituló que tituló "Dime con quien andas y te diré que cantas" interpretando canciones míticas de su repertorio como 'Carito', 'Cachito, campeón de Corrientes', 'En el país de la libertad' o 'La cultura es la sonrisa', esto mientras en pantalla se proyectaba un clip con un centenar de imágenes de León compartiendo escenario con múltiples músicos, de todo, desde Mercedes Sosa, Charly García, Fito Páez, Rubén Rada, Chico Buarque, Silvio Rodríguez, hasta Roger Waters, Peter Gabriel, Sting, Metallica... insisto, de todo. Por supuesto que entre canción y canción nos regaló anécdotas vividas con algunos de ellos. También de paso nos habló y mostró imágenes del museo que existe en Santa Fé que recopila toda su historia... ¡qué ganas de ir!

Y así, hubo momentos tremendamente emocionantes, como cuando habló de su película Mundo Alas (que está íntegra para ver en YouTube), de sus protagonistas y la gira que realizó con ellos, también cuando nos habló de su admiración por Violeta Parra en su rol como coleccionista de canciones y cultura, aspecto que él quiso imitar en sus trabajos De Ushuaia a La Quiaca, recopilando canciones de toda la Argentina. Todo esto dividido en dos grandes segmentos, el primer en solitario y el segundo junto a su hija Joana Gieco en teclados y el guitarrista Alejo León, quienes amenizaron un intermedio instrumental interpretando cuatro piezas de su álbum Suprasustancial (2025). 

En lo personal viví un sueño. Me enamoré del relato de León Gieco treinta años atrás, sin embargo, más allá de lo lindo de poder verlo y oírlo (¡al fin!), jamás me imaginé lo que presenciaría en su concierto. Porque una cosa es ir a un recital, ver al artista, escuchar las canciones, cantar y todo eso. Otra cosa es escucharlo DE VERDAD, que el artista comparta con el público sus experiencias y vivencias, estarlo oyendo en la complicidad de un silencio inolvidable. Era realmente como estar en un bosque, en un fogón, escuchando a un viejo sabio que consciente de todo el legado que carga a sus espaldas deseaba transmitir algo de aquello a nosotros. Que decir, inolvidable, de los mejores conciertos de mi vida.

Lo que sonó (lo que recuerdo, porque me faltan tres o cuatro temas):

Entrada: 'Hombres de hierro'
El hombrecito del mar: 'El orgullo' + 'Las ausencias' + Una canción que mencionó cantó con Piero, pero yo no conocía. 
Dime con quien andas y te diré que cantas: 'Cachito, campeón de Corrientes' + 'Carito' + 'En el país de la libertad' + La cultura es la sonrisa'
Previo a intermedio: 'Ojo con los Orozco' (donde desafió al Alzheimer, dicho por él mismo, al cantarla a capella completa) + 'La memoria' 
De la Ushuaia a la Quiaca: 'Esos ojos negros' + Las hojas tienen mudanza'
Intermedio instrumental Joana Gieco + Alejo León
Segundo tramo: 'Canción para Francisca' + 'La colina de la vida' + 'El fantasma de Canterville' 
Recta final: 'La cigarra' + 'Pensar en nada' + 'Los salieris de Charly'

Sonido: 10 (Teatro pequeño pero sonido impecable, fuerte y claro)
Interpretación: 10 (León pese a el inevitable paso del tiempo, que lo tiene algo sordo y afónico, aún canta excelente, además que todo lo musical amenizado con cercanos relatos, que decir, toda una experiencia)
Puesta en escena: 10 (León la mitad del show estuvo solo y la otra mitad fueron tres músicos, ahora, dado el concepto no había necesidad de nada más). 
Complementos: 10 (Todo muy sobrio pero el apoyo visual ante cada uno de los temas fue notable. Todo muy bien pensado, desde fondos que proyectaban las letras hasta imágenes alusivas a los relatos previos)  
Lista de temas: 10 (Le dio fuerte a lo más antiguo y a lo más reciente, hubo poco de su era intermedia 1990/2000, sin embargo, realmente daba lo mismo lo que tocase. Hubo muchas canciones que seguro el público no conocía, pero las letras tienen tanto contenido y se oía todo tan claro, que el solo descubrir esas canciones valía la experiencia)

10/10
Conciertazo inolvidable.

miércoles, 11 de noviembre de 2026

Cypress Hill: Dios Bendiga (2026)

 "Saldan una cuenta pendiente..."

El nexo entre Cypress hill y la cultura mexicana posee larga data. Fuera de la ascendencia familiar de B-Real, los de California fueron pioneros en esto de introducir el spanglish en sus letras, además de adoptar cierta estética y haber abogado siempre por los derechos de los inmigrantes latinos dentro de los Estados Unidos. Por todo esto, Dios bendiga aparece tras cuarenta años de existencia como una especie de saldo pendiente que la banda sostenía con México, y si bien este no es el primer álbum de la banda interpretado completamente en español (en 1999 publicaron Los grandes éxitos en español), si es el primero con material con material 100% inédito cantado en nuestra lengua. Lo interesante es que el contacto del disco con Latinoamérica no se limita unicamente al idioma si no a como mediante estas doce canciones Cypress hill intentan incorporar elementos temáticos latinos, también sonidos, esto sin jamás renunciar a su propia esencia. 

Canciones como 'Wacha trucha' o 'Sueños' destacan debido al característico rapeo de B-Real, mientras que en la barrial 'Campeones', la urbana 'Run' (la única canción en todo el disco que escapa a la norma, con Poe Leos como protagonista), en las percusiones y trompetas de 'No tengo miedo' o en el aporte de los mexicanos La santa grifa en 'Barrios prendidos' observamos como la banda busca incorporar ritmos latinos en sus canciones, entregándole un hilo conductor al álbum, lo mismo cuando no se olvidan de su amada marihuana en canciones como 'Saca la bolsita' (junto al argentino Trueno) o en la divertida 'Otra' que cierra el disco.

El riesgo de caer en la caricatura era grande, sin embargo, Cypress hill han logrado salir airosos frente al desafío. No se han complicado demasiado, es cierto, exploraciones mucho más interesantes desde lo musical se pueden oír en Elephants on acid (2018), su mejor disco en largo tiempo todo sea dicho, pero de todas formas Dios bendiga encuentra en su lista suficiente diversidad como para funcionar sin jamás sonar monótono, lo que no es poco considerando que el hip hop es un género que debido a sus formas muchas veces acaba agotando al auditor casual. La banda acá se ha dado un gusto y han quedado bien parados. 

¿Canciones? 'Wacha trucha', 'No tengo miedo'  y 'Otra'.

7/10
Muy bueno.

lunes, 9 de noviembre de 2026

Miley Cyrus: Bass Persuades (2026)

"Una de cal y una de arena..." 

No cabe duda de que durante esta década, particularmente tras la publicación de Plastic hearts (2020), la carrera de Miley Cyrus ha vivido un claro upgrade en términos de calidad, sin embargo y todo sea dicho, también la vocalista ha sido irregular. Yendo a lo concreto, Endless summer vacation (2023) no fue la consagración definitiva que muchos esperábamos (más allá del batatazo que significó el single 'Flowers') así como este reciente Bass persuades no está ni cerca de la frescura y atrevimiento de Something beautiful (2025), pareciendo más bien un disco menor que contiene las sobras que quedaron tras el mencionado, diez canciones que alternan pasajes cargados al dance y la electrónica con baladas y medio tiempos melosos que cuentan con el problema de constantemente tirar por lo obvio.

En Miley Cyrus siempre han convivido dos artistas, una osada, agresiva y sexual con otra muy rosa y estereotipada, algo similar a lo que le ocurría a Britney Spears en los inicios de su carrera, aunque en dicho caso era comprensible pues para ese entonces hablábamos casi de una adolescente que fue bruscamente insertada en el mercado cual producto en una vitrina. El caso es que esta dualidad es la que vuelve a aparecer en su más reciente álbum, la Miley más desatada aparece en el excelente single 'Bass persuades', en 'Innocent ways' (estas dos se pierden acá pero de haber estado en Something beautiful claramente habrían aportado), también en la sexy 'Different religion' (aunque la canción no es más que el coro, digámoslo), mientras que esa vocalista más melosa suena en la popera 'Let's get married', al piano en 'Orbit', entre las cuerdas de 'Redlight' o cerrando el álbum de manera insulsa mediante 'Snow'. Entre todas armarán un viaje breve (poquito más de media hora) que si bien no molesta tampoco impacta, un conjunto de canciones que no se entiende bien a que responden más allá de pretender mantener a la vocalista presente en el inconsciente colectivo.

A diferencia de sus pares dentro del pop, Miley Cyrus cuenta con un plus no menor: una potencial identidad. Su rango vocal y ciertas inquietudes creativas que ha mostrado en el pasado la destacan respecto al resto, sin embargo, en esta ocasión tanto desde lo musical como lo temático Bass persuades no entrega una versión novedosa de la vocalista Nuevamente la tenemos con las canciones de siempre hablando de lo de siempre (hombres, hombres y más hombres, dejo aquí al reflexión: ¿es qué en serio las voces femeninas no tienen OTRO TEMA del que hablar?) por lo que el álbum se anota como una intentona más por parte de una artista que continua entregando una de cal y una de arena con sus álbumes. ¿Llegará el momento en que definitivamente se decida a dar un salto cualitativo definitivo? Veremos. Por ahora seguimos esperando.

¿Canciones? 'Bass persuades', 'Innocent ways' y 'Redlight'.

6/10
Bueno, cumple...

viernes, 6 de noviembre de 2026

20 Años De ... Deftones : Saturday Night Wrist (2006)

"Reinventarse en el éxito..." 

Tras un disco tan imponente, arrollador e histórico como White pony (2000) a Deftones les tocó afrontar la envidiable pero no poco compleja experiencia de sobrevivir y reinventarse en el éxito. Como se lee. Publicar tras un álbum de tanto reconocimiento no debe ser cosa fácil, de hecho, a los de Sacramento les tomó aproximadamente una década rearmar una línea sonora, la cual acabó de consolidarse en la pasada por Diamond eyes (2009) + Koi no yokan (2012) pero encontró su génesis en el homónimo de 2003 y este Saturday night wrist, álbum que mirado a distancia resulta un disco especial en muchos sentidos, desde su sonido inquieto y oscilante, en constante búsqueda, hasta en lo práctico haber sido el último con Chi Cheng al bajo, quien en 2008 sufriría el fatídico accidente que acabaría años más tarde quintándole la vida. 

La historia es conocida. Comienzan a grabar junto a Bob Ezrin entre 2004 y 2005, sin embargo, los exigentes métodos de este no congenian con Chino Moreno, quien por entonces atravesaba una complicada crisis debido a adicciones además de en lo práctico presentar para aquellos años un daño vocal importante. Debido a lo anterior el vocalista abandona el estudio para regresar tiempo después junto a Shaun López, quien ejercería de co-productor en el período final de la mezcla. De todo este proceso, donde incluso se temió por el fin, es curioso que resultase algo tan compacto e interesante como Saturday night wrist (¡bravo por esos productores!), doce canciones que marcan el quiebre definitivo entre la banda y el nu metal desarrollado en sus inicios (y del que algo aún quedaba en el antecesor de 2003) dando paso a una etapa marcada por fluctuaciones bastante más lánguidas y emocionales.

Lo anterior es algo que la banda venía insinuando en el pasado (están en el camino canciones como 'Change (in the house of flies)' o 'Minerva') pero que acá es claramente profundizado, ya sea entre las atmósferas marcadamente oscuras y depresivas de 'Hole in the earth' que abren el disco exponiendo el pésimo momento que vivía Chino moreno en ese entonces o más adelante en piezas como 'Beware', 'Cherry waves' o 'Xerces', donde Deftones logran desarrollar una cadencia bastante característica , incluso sexy, que coquetea con el dream pop, aspectos a los que por cierto la banda sabría sacarle provecho más adelante en su carrera (ahí tienes a 'Sextape' como máximo ejemplo de lo dicho, una canción que incluso le ha servido a la banda para conectar con adolescentes en la actualidad). Este tipo de canción se complementará a lo largo del álbum con otras que recuperan la agresividad y el peso de discos anteriores, como 'Rapture', 'Rats! Rats! Rats!', 'Combat' o la exquisitamente armónica 'Mein' (esta con participación de Serj Tankian), armando un conjunto diverso aunque (casi) siempre atractivo donde lo único a reprochar sería la recta final, compuesta por experimentaciones (?) innecesarias en 'Pink cellphone' así como la pasada por 'Kimdracula' + 'Reviere', canciones de peso pero que no logran dar con el punto adecuado, quedándose en meros intentos de algo que no llega.  

Mirado a distancia Saturday night wrist es el disco que acabó por confirmar que Deftones serían capaces de sobrevivir, crecer y reinventarse tras el éxito obtenido por White pony. En dicho sentido aparece como un álbum crucial en la carrera de la banda, un conjunto que les muestra creativos y consistentes de la mano de atmósferas que abrieron un camino que le permitiría a la banda explorar y profundizar a futuro. 

¿Canciones? 'Hole in the earth', 'Cherry waves' y 'Xerces'.

7,8 / 10 
Excelente.

domingo, 1 de noviembre de 2026

My New Band Believe: My New Band Believe (2026)

"Desconcertante, para bien..."

Tras la disolución de Black midi sus integrantes se dispersaron en una serie de proyectos, fue así como en 2024 conocimos el (notable) debut de Geordie Greep, y bueno, My new band believe el "aquí estoy" del bajista y guitarrista Cameron Picton. Lo anterior no es baladí, pues cierto perfume a su ex banda encontramos en estas ocho canciones, ciertos afanes experimentales y atrevidos propios de un artista creativamente inquieto dispuesto a desafiar al auditor como pocos hoy intentan. Lo interesante, sin embargo, es que lejos de la estridencia o agresividad, el musico intenta en este álbum expandir las posibilidades del mundo folk/acústico en un trabajo efectivamente a ratos caótico y desestructurado pero que siempre mete mano a las cuerdas de nylon como herramienta de expresión. 

El debut homónimo de My new band believe resulta por tanto una experiencia curiosa, una especie de montaña rusa a ratos desconcertante, desde la partida mediante 'Target practice' nos encontramos con un álbum a ratos excesivamente meloso, adornado con vientos e interpretaciones tremendamente teatrales pero con una ruta de navegación que juega constantemente a la desestructura y a los giros sorpresivos, algo que continuaremos experimentando en los trece minutos que arman 'In the blink of an eye' + 'Heart of darkness', ambas presentando la curiosidad de coquetear con un sonido progresivo que no teme en sonar incorrecto y desprolijo, con baterías o guitarras que incluso van a destiempo. Así como se lee.

Otro elemento desafiante con que cuenta el trabajo es que prescinde completamente de coros o puentes "recordables", incluso en sus momentos más armónicos (la bonita balada 'Love story', por ejemplo) el sonido recurre meramente a un relato que se abre camino como un río en plena cordillera, simplemente avanzando y alimentándose de aquello que naturalmente encuentra en su camino. Esta sensación la percibimos con claridad en las acústicas, breves aunque siempre indescifrables 'Pearls', 'Opposite teacher' o 'One night', así como en otra ida de olla como 'Actress' (la gran joya del álbum), ocho minutos que nuevamente dan muestras de un artista absolutamente impredecible, donde nuevamente coquetean momentos teatrales con otros claramente emocionales e intensos. 

El debut de My new band believe descoloca pero en un mundo tan jodidamente falto de sorpresa como el que vivimos vaya que saben bien cosas como estas. Un trabajo ciertamente caótico pero que jamás deja la sensación de extraviarse en su eclecticismo. De lo bueno que habremos oído este año. 

¿Canciones? 'Heart of darkness', 'Actress' y 'One night'.

8,2 / 10
Excelente.

martes, 27 de octubre de 2026

Interpol: This Mirror Weighs A Ton (2026)

 "Lo mejor en largo tiempo..."

Interpol se han quedado en un limbo algo incómodo junto a una serie de bandas que alcanzaron veinte años atrás a saborear los últimos años en que el rock fue popular. Hoy todo ha cambiado, las guitarras ya no generan hits ni masividad y lo que vende dentro del género (aquello que llena estadios) es la nostalgia, no el presente. En dicha ruta a los de Paul Banks les ha costado sobrevivir. Intentaron deconstruirse con el homónimo de 2010 (disco que en lo personal sigo defendiendo y me parece injustamente despreciado) pero dicho paso no fue bien recibido por lo que en adelante han deambulado confundidos en el constante intento por emular el sonido que en sus inicios si funcionó. Las crisis, sin embargo, suelen ser motor inspirador para los artistas y aquello es lo que acá ha ocurrido con unos Interpol a quienes el oscuro momento que atravesamos a nivel global como sociedad les ha servido para encontrar un álbum profundo y reflexivo que consigue mostrarles tan efectivos como contundentes.

Dicho en simple, This mirror weighs a ton es uno de esos discos en donde las letras importan... y mucho. Sin ir muy lejos, el mismo título ("Este espejo pesa una tonelada") anticipa y hace sentido al transmitir la idea de tener que lidiar con una imagen que cuesta sobrellevar, de ahí que la apertura sea en un tono tan solemne entre crípticas líneas que abordan con sutileza este concepto ("Si queremos conectarnos a la dureza / El sentimiento se transforma en silencio / Entonces no sobreviviríamos / Pero deberíamos..."), algo que veremos reforzado con fuerza más adelante en la notable 'Wounded soldier', una durísima reflexión en torno al horror de la guerra ("Esto no es un show / Así es como sucede / Ese hombre, su cuerpo está ahí afuera / Enterrado en la nieve/ Su madre nunca lo sabrá / Su padre nunca lo encontrará..."), así como en los claros y grises que establecen respecto a sus Estados Unidos, apuntando los dardos con dureza en 'Even de actor' ("Vamos a lo opaco, este es mi viejo país / Un sueño sin fin...") o encontrando esperanza en la dedicatoria que regalan a Nueva York en la optimista 'Iron city'. 

El tono por lo general del álbum será reflexivo, encontrando sus puntos más altos en toda la fantástica Cara A del disco, sumado a los tonos acústicos de 'So rides the reindeer', mientras que canciones como 'See out loud' , 'Wings on fire' o 'Wake up' (esta muy centrada en el trabajo de batería) son las encargadas de entregarle mayor dinamismo y energía a un disco que destaca tanto en lo individual, colectivo como lo conceptual y cuyo único defecto se encuentra en el cierre, con tres canciones finales que no logran encontrar el punto final que merecía un álbum que por lo general ronda un nivel altísimo. Aun con esto último, This mirror weighs a ton (con Andrew Wyatt en producción) se anota como lo mejor que Interpol han grabado en larguísimo tiempo. Yo diría desde 2010, otros dirán que desde su trilogía inicial. Cosa de gustos...

¿Canciones? 'This mirror weighs a ton', 'Wounded soldier', 'Even de actor'

7,8 / 10
¡Muy bueno!


Otras reseñas de Interpol:

jueves, 22 de octubre de 2026

Beck: Ride Lonesome (2026)

 "El refrito del refrito..."

De dulce y agraz con el más reciente de Beck. Y es que si bien el vocalista ha compuesto un álbum bonito, cuidado y que efectivamente cuenta con más de alguna joya en su lista, la sensación a refrito es constante y potente. E incluso a refrito del refrito pues no olvidemos que en 2014 el estadounidense había publicado Morning phase, un álbum de corte acústico que funcionaba como contraparte para el mítico Sea change de 2002, esa maravilla tremendamente oscura con la que el vocalista supo exorcizar sus demonios y canalizar como pocos el dolor del luto post ruptura. El caso es que 2026 lo atrapa nuevamente en un momento emocionalmente complejo y bueno, junto a Nigel Godrich en producción se metió al estudio a grabar (nuevamente) un álbum honesto y descarnado pero que carga con dos problemas: el carecer de efecto sorpresa por lo que a ratos se vuelve demasiado predecible.

Grandes canciones acá hay, la mayoría concentrada en la primera mitad del álbum. Tienes ese comienzo empapado en melancolía que regalan las cuerdas de 'Ride lonesome' (aunque el perfume a 'The golden age', la partida en Sea change, no se lo quita nadie) o 'Run away', la absoluta intimidad que desprenden 'In the night' (vaya joya) o 'For your love', así como la delicadeza al piano de una preciosa 'Failed words', sin embargo, todo sea dicho: existe cierta redundancia en canciones como 'Disappearing act' o 'Slow canyon', al punto de que durante toda la Cara B del disco (quizás con la única excepción de 'It ends right here') convives con la sensación de que esto a Beck ya se lo has oído antes... y mejor. 

Ride lonesome no es en absoluto un mal disco, hay un tono "espectral" que ronda en las atmósferas del disco que funciona, temáticas que abordan tanto la pérdida como la (inevitable) soledad que viene de la mano con el paso del tiempo, sin embargo, salvo contados momentos el conjunto no consigue alcanzar la magia que realmente pretende. Las cosas como son. 

¿Canciones? 'Ride lonesome', 'In the night' y 'It ends right here'.

6,9 /10
(Muy) bueno.