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martes, 24 de diciembre de 2013

Los 13 Mejores Discos De 2013

Realizando una analogía simplista, para mi un buen disco debe funcionar como un gran equipo de fútbol. Es decir, debe poseer algunas figuras individuales y además convencer en el funcionamiento colectivo. Hay discos que poseen lo uno o lo otro, son los menos los que gozan de ambas características. Ahora, el estilo o la etiqueta a mi me da lo mismo, realmente siento lástima por las personas que son capaces de disfrutar un álbum solo de un determinado estilo. Metal, funk, pop, rock, progresivo, llamen a la música como quieran, a mi me da igual mientras esta conecte con mi sentir. Me da igual si un disco es blandito y tiene llegada con las masas mientras sea bueno y en aquel contexto funcione. De igual forma, un trabajo que no es masivo también puede ser hermoso. Pero nada es bueno o malo por definición, todo tiene su contexto y ahí debe ser valorado. 

Y bueno, los 13 discos más interesantes de este 2013 para mi han sido los siguientes:

13. Flaming Lips , "The terror" . El caos, la desorientación intencionada, la dramática desolación de un disco que pretende descolocar a quien oye. Un ejercicio a la David Lynch que me resultó imposible no destacar. 

12. Wire , "Change becomes us". No serán probablemente mencionados en ningún recuento, sin embargo acá estoy yo dispuesto a hacer justicia. Mecánicos, maquinales y notables. El regreso de Wire tras 5 años de silencio me impresionó por lo detallista del trabajo, teclados y guitarras muy bien enlazados al punto de encontrar ambientes tremendos. 

11. Palms, "Palms" (ALBUM DEBUT). El tocado de Chino Moreno la ha vuelto a hacer. Como si lo más reciente de Deftones hubiese sido poco, este 2013 nos regaló un trabajo repleto de texturas y sonidos claramente influenciados por The Cure. Un elegante viaje al que nos embarcamos felices. 

10 - Daughter , "If you leave" (ALBUM DEBUT). Hermoso y melancólico. Íntimo y doloroso. Desnudo y honesto. Lo de Daughter no descubre nada nuevo pero nos recuerda la potencia que contiene el plasmar una herida sangrante sobre un sonido. Notable. 

9 - Queens of the stone age, "... like clockwork" . Josh Homme y la búsqueda del disco atemporal, acá lo ha logrado encontrando el álbum más maduro de la carrera de la banda. "... like clockwork" es un trabajo que curiosamente termina mejor de lo que comienza, creo que si las primeras 5 hubiesen estado a la altura de las 5 finales tendríamos disco del año. De todas maneras el tipo se ha salido con la suya cuando muchos ya dudaban de sus capacidades...

8 - David Bowie , "The next day" . Tras 10 años de silencio el maestro está de regreso y de que manera. Con la elegancia y energía de siempre el tipo no solo cumple sino que además nos regala un trabajo que impresiona por su solidez. Un disco que se cuela entre lo más destacado que Bowie ha realizado no solo en los últimos 20 años si no que en su carrera completa. 

7 - Paul McCartney, "New" . Otra leyenda viviente que vuelve para poner las cosas en orden. "New" es optimista, contagioso y rebalsa en talento. Un puñado de tremendas melodías que a estas alturas no pueden más que emocionar. Lo dije y lo repito: genio en vida. 

6 - Vampire Weekend"Moderns vampires of the city". Delicado pero bien armado. Lo de Vampire Weekend logra dar ese salto cualitativo siempre necesario en un tercer disco. En este caso nos encontramos con un trabajo rico en lo melódico y con mucha diversidad de arreglos. 

5- Villagers , "{Awayland}" . Inquieto y bien logrado. Sonidos acústicos que coquetean con la electrónica y los teclados. Un disco tremendamente bien ejecutado y que ilusiona con respecto a lo que se pueda venir en el futuro para la banda de Conor O'brien
Reseña acá

4 - In Vain"Aenigma". Colosal disco este de In Vain, el mejor de su carrera por paliza. Metal de altas pretensiones, un disco al que las etiquetas le quedan cortas, un álbum que busca la perfección en el sonido e intenta (a momentos lo consigue)  llevar la técnica y la brutalidad al extremo. Enorme. 

3 - Sigur Ros, "Kveikur". Kjartan Sveinsson (tecladista) abandona la banda y como resultado nos encontramos frente al álbum más amigable en la carrera de Sigur ros. "Kveikur" conserva el trabajo de ambientes que los islandeses suelen trabajar pero adorna el asunto de manera mucho más amena, con estructuras pop incluso, mucha intensidad y un sonido absolutamente envolvente. 


2 - Steven Wilson, "The raven that refused to sing" . Otro tocado que encuentra acá el que, para mi, es su álbum definitivo. El genio detrás de Porcupine tree realiza un ejercicio brillante y que da gala del momentazo creativo vive. "The raven that..." es un álbum que rinde tributo al rock progresivo clásico añadiendo elementos modernos que encajan a la perfección. Un manjar.  



*** DISCO DEL AÑO *** DISCO DEL AÑO *** DISCO DEL AÑO ***

1. Leprous, "Coal". Contundente, ambicioso y valiente. El tercer disco de Leprous es una obra maestra moderna que hasta en sus momentos excesivos funciona. Los noruegos juegan al límite en todo instante pero se salen con la suya entregando un trabajo diverso, que explora diferentes estaciones del metal, las conjuga con elementos progresivos y sazona con aspectos melódicos muy bien ejecutados. "Coal" suena pensado, sesudo pero nunca se canta a si mismo, siempre tiene presente que hay un auditor a quien llegar e impresionar. Si el metal progresivo tiene presente ese está liderado por Leprous sin duda alguna.  

Reseña acá



Y bueno, evidentemente mi lista no coincidirá ni con los sitios internacionales, con intere$e$ creados la gran mayoría, ni con el indie de los sitios independientes pero bueno, es solo mi humilde opinión emitida desde este rincón del universo. Un abrazo desde acá y agradecimientos a todos quienes durante este año han visitado mi sitio, me honra el que personas que aman la música tanto (o más que yo) me lean y aporten con sus comentarios. 

Vivimos para entregar y para dejar algo en esta tierra mientras existimos, lo que sea. Por eso existe este blog, porque no me siento más persona al escuchar un disco que nadie más conoce, me siento humano cuando logro compartir aquella experiencia con otros...

En fin, mucha filosofía barata por hoy. 
¡Hasta la próxima!
Esteban

sábado, 21 de diciembre de 2013

13 Grandes Canciones Para 2013 (Parte 2 y Final)


SEGUIMOS...

7. Yeah Yeah Yeah's:  "Sacrilege"
Fue un tema de esos ENORMES. Me gusta cuando una banda pretende comerse al mundo con una sola canción y eso acá ocurre, ese coro gospel del último minuto delata las intenciones. Lamentablemente el disco terminó siendo un fiasco por lo que "Sacrilege" resultó ser como Lionel Messi jugando en la B de Arabia Saudita. Pero bueno, de todas maneras tenía que estar en este recuento... 



6. Paul McCartney : "Queenie eye"
La verdad es que podría haber sido cualquier otra del álbum, "New", "Everybody out there" o varias más estaban al mismo nivel pero había que escoger una y me inclino por ese subidón final que presenta "Queenie eye", increíble por cierto el que Paul con tanta carrera a sus espaldas aún logre componer algo así. Emociona de hecho... 


5. David Bowie : "Love is lost"
El regreso del año ¿no? Para mi incluso sobre lo de Black sabbath (que también estuvo bien) y este, un temón, desde mi primera vez con el álbum fue mi favorita. ¡Ese teclado y ese final!



4. Villagers : "Earthly pleasures"
Que no daría hoy Radiohead por componer algo así. Cuanto juego vocal, cuanta intensidad en el relato. Un gran disco este de Villagers y este, para mi, su mejor tema.



3. Daft Punk : "Get lucky"
El single del año. Una canción extraordinaria, una de esas que ya no se componen. Como habrá sido de buena, que en tiempos en donde el single ya no cuenta con la promoción de 15 o 20 años atrás, de todas maneras el tema logró llegar a todos. ¿El disco? Una completa decepción pero la canción es funk setentero del mejor...



2. Arcade Fire : "Reflektor"
Cuanto me ilusionó este tema.  Un single de 7 minutos que coqueteaba con el baile y que mostraba a los canadienses más creativos, arriesgados y potentes que nunca. Todo en su justa medida, una lástima que el disco no haya estado a la misma altura...



*** CANCIÓN DEL AÑO *** CANCIÓN DEL AÑO *** CANCIÓN DEL AÑO ***

1. PEARL JAM : "SIRENS"
Por la emocionante letra, por la interpretación de Vedder (el tipo sigue siendo único) y por lo increíble que resulta verificar como Pearl Jam a 20 años de su primer álbum sigue siendo capaz de erizarnos los pelos como alguna vez lo hicieron con temas como "Black", "Yellow led better" o "Given to fly". Tremendo...




Y bueno, son solo gustos personales claro está. Lo dejo ahí para ir en la próxima reseña en busca de los que me parecieron los mejores discos de 2013. ¡Hasta ese entonces!

viernes, 20 de diciembre de 2013

13 Grandes Canciones Para 2013 (Parte 1)


Ok. Hora de resúmenes, se va 2013 pero no sin antes dejarnos una serie de buenas canciones para el recuerdo. Fue difícil, dando una pasada múltiple debo haber seleccionado por inercia unas 35 grandes canciones pero bueno, aplicando una serie de filtros a criterio de quien escribe me he quedado con estas 13, las que más disfruté durante este año. 

*Bonus Track *
Daughter : "Youth". ¿Por qué? Por el desgarro lírico y esa batería que entra en el coro. Más que suficiente. 



13. Depeche Mode:  "Secret to the end"
¿Por qué? Por la ira, despecho y resentimiento que contiene tanto letra como interpretación. 



12. Monster Magnet : "Last patrol"
¿Por qué?  El tema es un viaje. El stoner, space rock y la psicodelia en su máxima expresión. Además los cinco minutos finales son caos absoluto. Que huevos Dave, que huevos...



11. Suede : "It starts and ends with you"
¿Por qué? Porque me fascina el pop bien compuesto. 





10. Queens of the stone age: "I Appear missing"
¿Por qué? Jamás me imagino que Josh Homme sería capaz de componer algo como estos seis minutos...



9. Nine inch nails : "Various methods of escape"
¿Por qué? La guitarra.



8. Sigur ros : "Isjaki"
¿Por qué? A estas alturas de la vida que un tema me llene los ojos de lágrimas tiene su mérito. 



 CONTINUARÁ...

martes, 17 de diciembre de 2013

20 Años De... Pearl Jam // Vs. // 1993


En 1991 Pearl Jam irrumpió en la industria y cambió (junto con el Nevermind de Nirvana) el curso de la historia gracias a todo lo que significó su álbum debut Ten. Llegaba eso si el momento del segundo golpe, ese disco que suele incluir el material que "no quedó en el debut" y que por ende debería mantener la linea de este. Ahora, a diferencia de los mencionados Nirvana que con In Utero (1993) fueron ambiguos en el aspecto comercial (que si y que no ), Pearl jam optó por marcar decidida distancia con el exitoso debut de 1991. Nos encontramos así con un segundo disco que no contó con promoción alguna (sin singles ni videos) y que en lo musical apunto a un sonido mucho menos comercial y en general más agresivo.   

Hay muchos elementos fascinantes en Vs. pero si tuviese que quedarme con un solo concepto mencionaría el que los tipos nos entregaba un disco que, pese al tremendo éxito alcanzado por Ten, poseía vida e identidad propia. Vs. no es un clon de su antecesor, no es un álbum que pretendiese repetir el chiste sino que llevaba el sonido de la banda hacia nuevas fronteras (algo que un año más tarde, con Vitalogy, se haría más presente aún). Vs. por ejemplo, es sus momentos de rock duro es un disco mucho más visceral que Ten, temas como "Go", "Animal", "Leash" o "Blood" (con un Eddie Vedder llevando al extremo su garganta) muestran la versión violenta de la banda (de hecho, nunca más en su carrera volverán a sonar así). Ahora, el contraste se produce cuando el álbum aborda sonidos cargados de melancolía y con una mayor vocación de masas, es el caso de las baladas "Daughter" o "Elderly woman..." mientras que también en el disco encontraremos espacio para un rock más experimental en los seis minutos de "W m a" (anticipo de lo que sería No code en unos años más) o aquel íntimo cierre a cargo de "Indifference". Mención aparte merece la energía e intensidad de la incombustible "Rearviewmirrow", uno de esos temas eternos que todo gran disco debe contener. 

Vs. conjugó potencia, crudeza y sentimiento de manera impresionante, fue un álbum muy completo al que cuesta encontrarle puntos bajos (¿los tiene?) y que marcó distancia con el sonido (y el éxito) de Ten. Fueron valientes y en ese entonces se salieron con la suya. Era el inicio de una una carrera impresionante que hasta el día de hoy nos entrega satisfacciones la cual seguro seguiré revisando durante los años venideros...


4.0 // Excelente!


ANTERIORES RESEÑAS DE PEARL JAM:

sábado, 14 de diciembre de 2013

Fito Paez // Dreaming Rosario // 2013

De vuelta al presente

Tras el grato bálsamo de nostalgia que simbolizó la edición de El sacrificio a mediados de 2013, un disco como Dreaming Rosario vendría a ser el enfrentamiento con la cruda realidad, con el presente de un tipo que viene cargando irregularidad desde hace bastante. Ahora, seamos justos: no todo lo que ha realizado Fito Paez en estos últimos 10 años ha estado mal, el problema es que lo destacable viene siendo cada vez menos (una que otra canción por disco) y lamentablemente ha llegado para Fito ese momento en que cada nuevo disco parece un trámite más que una propuesta.

Y bueno, Dreaming Rosario no parece ser la excepción a la regla. El álbum se compone de diez temas que van por donde siempre, mucha balada, el piano, algunos instrumentales y realmente muy poco que rescatar. Habrá quienes defiendan al disco indicando que este solo es un álbum que Fito editó "rapidamente" con objetivos benéficos (las ganancias irán en ayuda de los damnificados de Rosario que vivieron una dramática explosión en agosto pasado), sin embargo, el trabajo deja en evidencia el que a Paez ya ni los experimentos le están resultando.

Dentro de los 35 minutos de música que acá se entregan solo me ha parecido interesante el piano instrumental "Ennio en mi" (con una clara referencia a "Adios" de Gustavo Cerati) , ciertas progresiones que aparecen en "Marietta" y el subidón que pega la recta final de "Las aguas del mar". Del resto poco y nada que mencionar. La monotonía melódica de "Mira quien vino" , de "El niño alado, la sirena y el marinero" o "Amor es locura" llega a espantar y el homenaje a Luis Alberto Spinetta en "La vida sin Luis" me sigue sonando demasiado cursi y trivial.  En definitiva, Dreaming Rosario es un puñado de canciones que aporta poco o nada a la discografía de Fito Paez y que conviene efectivamente tomarlo  como un disco editado "a la rápida". 

Ahora, con respecto a 2013 queda una patita aún que revisar con respecto a Fito, me refiero a Yo te amo, lanzado hace muy poquito y que se supone es el disco que originalmente el cantautor tenía pensado para este año. Ya se vendrá en tan solo unos días ...  

2 / 5
Malo



RESEÑAS ANTERIORES FITO PAEZ:

miércoles, 11 de diciembre de 2013

Recordando a ... R.E.M


Hay quienes estando en una relación se viven quejando de ella pero cuando el asunto terminó acaban recordándola con nostalgia y pensando que en realidad "el asunto no era tan malo como yo creía". Con R.E.M me ha pasado algo por el estilo. Amé New adventures in hi fi (1996) durante mi adolescencia, sin embargo, nunca me sentí completamente satisfecho con sus trabajos posteriores, a todos les sobraba o faltaba algo y de cierta manera creo que el final lo vi venir mucho antes que llegase. 

Ayer me puse (una vez más) Collapse into now (2011) y al 7mo u 8vo tema una linea se me vino a la cabeza: "este disco no tiene tema malo". Y así es. Quizás R.E.M durante sus últimos años no estaban para romper el rock pero con sus altos y bajos seguían siendo un tremendo aporte, seguían encontrando melodías que eran capaces de llenar nuestros corazones y Michael Stipe presentaba un grado único de humanidad tanto en sus letras como interpretaciones.  

No ha pasado demasiado tiempo desde su más que digno alejamiento de la música pero yo ya los extraño. De vez en cuando aparecerán acá en mi blog pequeños comentarios como este. Quiero mantenerlos vivos de alguna manera y está es mi forma de hacerlo...


RESEÑAS ANTERIORES DE R.E.M :

sábado, 7 de diciembre de 2013

Fito Paez // El Sacrificio // 2013

Bálsamo de (grata) nostalgia

Para este 2013 Fito Paez habló de tres discos y cumplió. Los iré revisando uno a uno, comenzando por este fascinante compilado de caras b que el trasandino decidió regalar a quienes asistiesen al concierto de cierre de la gira "20 años de El amor después del amor". El sacrificio consta de 10 oscuras canciones compuestas entre 1989 y 2012 que no fueron incluidas en los álbumes oficiales del cantautor en sus respectivos momentos pero que no por esto funcionan como meros descartes. De hecho, digámoslo con claridad: gran parte de este puñado de temas podría perfectamente haberse colado en álbumes como Tercer mundo (1990), El amor después del amor (1992), Circo beat (1994) o Abre (1999) y vaya que las habríamos disfrutado.

Lo entretenido en el paseo por El sacrificio es lograr descifrar a que etapa pertenece cada tema (el álbum en ese sentido es manjar para fanáticos), aunque solamente dándole una cuidadosa oída al registro vocal de Paez y a los arreglos que poseen las canciones creo que podemos sacar más de alguna conclusión al respecto. Lo mejor del álbum está claramente en la primera mitad, ahí suenan las atrevidas referencias religiosas de "El sacrificio" (¿Abre?) , el desgarrado relato de una ruptura que es "Esto podría haber sido una canción" (¿El amor después del amor?),  la  personal crítica social de "Guerra de luz" (¿Circo beat?), las referencias a Luis Alberto Spinetta en el bajo y teclado de "Mouchette" (¿Naturaleza sangre?) y la inquieta furia de "El fantasma canibal" (¿Abre otra vez?).

Ahora, la segunda mitad del álbum no se muestra tan diversa como la primera por lo que el disco se empantana a ratos. "No la chingues buey" es un relato vengativo que como freakerio resulta simpático, "El mal vino y la luz" e "Inglaterra" conectan bastante con la etapa más reciente de Fito, la más predecible y monótona, por lo que las revoluciones bajan bruscamente mientras que el íntimo final a cargo de una susurrada "El dolor" y la interesante narrativa de "La puta diabla" mejoran un tanto el asunto. Cierra de esta manera una singular compilación que en el global me parece que deja un saldo positivo y que pese a contener temas de distintas épocas logra conectar sin dificultad gracias al tono de oscuridad que ronda durante todo el trabajo.

¿Qué me gustó de El sacrificio? Básicamente el volver a oír a ese Fito Paez inquieto y hambriento, el cual incluso en momentos en que vomita un mal rollo logra sonar honesto y creativo. ¿Que no me gustó de El sacrificio? Recordar que es una compilación llena de temas de 15 e incluso 20 años atrás...

3.5 / 5
Muy bueno !




miércoles, 4 de diciembre de 2013

20 Años De... The Cranberries // Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?


Este 2013 disfruté muchísimo la melancolía del álbum debut de Daughter , If you leave , ahora, guardando las evidentes proporciones este disco me recordó un tanto lo realizado por The Cranberries 20 años atrás. Era 1993, otros tiempos, otro mundo, otra industria (la era de los videoclips, con MTV a la cabeza, comenzaba a tomar fuerza) y desde Irlanda emergía una singular agrupación, liderada por la carismática voz de Dolores O'riordan, una mujer capaz de congeniar tonalidades dulces con otras bastante rabiosas saliendo bien parada en ambos casos.

El debut de The Cranberries fue extremadamente sencillo pero con una importante carga de honestidad que le entregaba peso y carácter al sonido. Teníamos por un lado una serie de sentidas baladas en plan acústico tales como "I still do", "Pretty" o la eterna "Linger" mientras que en otra esquina aparecía un rock que mostraba claras influencias de The Smiths en canciones como "Sunday", "Wanted", "Still can't" o  la melancólica "I will always"

Ahora, lo importante e interesante en este debut es que pese a delatar sus influencias fue capaz en canciones como "Not sorry" o el exitoso single "Dreams" de insinuar cierta identidad y dejar sembrada la duda con respecto al futuro de la banda : ¿serían capaces de llevar este sonido un peldaño más arriba o se quedarían solo en la promesa? La respuesta la viviríamos tan solo un año después con el salto definitivo al mainstream que significó la edición de No need to argue (1994) y la consagración de la que sería una de las bandas más importantes de aquella década, pero bueno, de aquello espero escribir en algún momento de 2014. Será hasta ese entonces... 



domingo, 1 de diciembre de 2013

Camila Moreno // Panal // 2012

Un paso adelante que ilusiona 

Llego tarde con esta reseña (¡el disco tiene casi un año de vida!) pero llego, que es lo importante. Y si este álbum es bueno, regular o malo lo decidirá cada cual, sin embargo hay algo que nadie puede negar: Camila Moreno tiene los ovarios muy bien puestos y aquello, desde un comienzo merece toda mi admiración y quisiese expresarla en estas lineas. Y es que tras un exitoso debut en 2009 de la mano de Almismotiempo (probablemente el mejor debut chileno de los últimos 15 años junto con Pánico de Manuel García) lo más sencillo habría sido quedarse ahí por un largo rato, en las corrientes folclóricas, en el charanguito, el romanticismo, la rabia, la ira y la canción protesta estilo "Millones". Si Camila hubiese repetido la fórmula de manera calcada álbum tras álbum probablemente habría conservado un nicho de audiencia y pocos la habrían culpado demasiado por sostener aquel camino. Pues bien, esta mujer ha optado este 2013 por la entrega de un álbum muy pensado, denso y que durante varios pasajes opta por marcar distancia con sus inicios. Camila se muestra inquieta y creativa, conserva la honestidad, la desnudez de su prosa pero su sonido apuesta a ser más completo y moderno que el trabajado en 2009

La partida es fenomenal. "Incendié" y "De qué" son rock en acústico y golpeado, llenas de exquisitos juegos vocales y una intensidad que contagia de inmediato. Algo de Radiohead percibí por ahí (sobretodo en "De que"), lo cual me pareció tremendo. Luego suena "Raptado", la cual comienza con un melancólico "...no me tomes mal, estoy rota" pero sorprende rápidamente con un viraje hacia los teclados y ciertos coqueteos electrónicos, la verdad es que las tres primeras del álbum no tienen segundo de desperdicio. Ojalá el resto del disco hubiese abusado de aquella actitud tan bien lograda en un comienzo, lamentablemente no fue así y a partir del cuarto tema el álbum adoptará un tono más íntimo y depresivo que a ratos funciona pero a ratos también agota y abusa del auditor. Suenan seguidas "Panal", la creciente "Mandarina", una hermosa "Te quise" y más adelante la honesta "Caer", todas en una linea muy similar por lo que se vuelven algo espesas y terminan estorbándose un tanto. En lo personal me sobraron dos canciones ahí ...

Las vibras suben con "El amor hacia las hierbas salvajes" y la folclórica "Yo enterré a mis muertos en tierra" (de lo poco del álbum que conecta con su disco anterior) pero la recta final retoma el tono íntimo y el disco termina muy abajo y lejos de donde había comenzado. Nuevamente me ocurre que de las cuatro ultimas solo dos me engancharon (básicamente las más experimentales, "Idea" y "Nada que ver") por lo que me parece que el Panal termina pecando en la monotonía de su segunda mitad y el exceso de temas. 

Comencé diciéndolo y no me pienso retractar. Camila Moreno nos ha entregado un disco desafiante y que en 7 u 8 de sus 13 canciones funciona de manera impresionante, eso además de mostrar evidentes avances en relación al debut de 4 años atrás, el problema es que al disco le faltó continuidad, sobretodo en su segunda mitad por lo que Panal termina quedándose como una experiencia a medias. Esperaremos ansiosos su cuarto y (ojalá) definitivo trabajo.
   
3 / 5 
Bueno, cumple. 


jueves, 28 de noviembre de 2013

U2 // Ordinary Love

Cinco años de espera para recibir esto. Si, sabemos que "Ordinary love" no es técnicamente lo nuevo de U2, ya que la canción solo pertenecerá a la banda sonora del film "Mandela: Long way to freedom" y el nuevo disco de los irlandeses debería estar viendo la luz en abril de 2014 (esperamos el promocional para febrero), sin embargo, preocupa el pobre nivel que la banda muestra en la actualidad. 

"Ordinary love" estaría bien como un lado b de Keane o Coldplay pero incluso para el U2 de los últimos 10 años es pobre.  ¡Qué tímido suena The Edge esta vez! ¿Donde se ha quedado aquel guitarrista que 20 años atrás marcaba pauta dentro del mundo del rock? Y ese final, cuanta carencia de fuerza en los últimos 30 segundos de canción... en fin, para que seguir, solo nos queda cruzar los dedos y esperar que esta olvidable canción no tenga nada que ver con lo que U2 nos tiene preparados para el 2014. 

lunes, 25 de noviembre de 2013

Remember de hoy: La oscuridad de los 90's


Tras el auge del grunge, a comienzos de los 90's, la oscuridad se puso de moda. Fueron muchos los que quisieron conectar con aquello llegando a vivir mutaciones impresionantes. La lista es larguísima pero el remember de hoy quisiese dedicarlo a cinco que con el paso del tiempo me siguen impresionando por su antes/después. Todos estos casos además se dieron en 1995.  Boy George tratando de sonar industrial (ver para creer), Duran Duran de los visos dorados a las guitarras, Simple Minds intentando ser U2, George Michael de las calzas color rosa al negro lleno de melancolía y , por supuesto, Madonna pasando del la parada virginal a la mujer madura y erótica en tan solo 3 o 4 años. 

Una especie de "quien te viera y quien te ve..." ¡Que lo disfruten!






jueves, 21 de noviembre de 2013

Enrique Bunbury // Palosanto // 2013

Aún sumergido en la autocomplacencia 

En palabras del mismísimo Bunbury, tanto Hellville de luxe (2008), Las consecuencias (2010) como Licenciado Cantinas (2011) fueron álbumes que miraban hacia atrás e intentaban rescatar las influencias que motivaban su música. A diferencia de aquello, Palosanto vendría a ser un álbum que trataría del presente, tanto temática como musicalmente. En algunos aspectos estoy de acuerdo con el autor, existen elementos en este nuevo trabajo que marcan diferencias con lo que venía realizando recientemente. Se mantiene la (siempre) excelente producción y la lírica notable por un lado pero por otro se aprecian elementos novedosos, el tono contingente y de actualidad o interpretaciones vocales que se alejan de las exageraciones, en ese sentido (al fin!) Bunbury se dedica a cantar y no a imitarse a si mismo como venía haciendo desde hace rato. Todos estos elementos convierten a Palosanto en un disco interesante, sin embargo, no siempre los esfuerzos de un autor encuentran la inspiración precisa y aquello siento que acá ocurre. 

En el intento de no repetir el plato y de reencontrarse con su presente, Bunbury nos entrega un disco confuso que peca en la falta de cohesión. Me explico, el álbum se divide básicamente en dos segmentos, una primera parte de corte social (que llega hasta el noveno tema) en donde lo escuchamos muy comprometido (más que nunca) con la contingencia política y una segunda fase más clásica e íntima. En general el tono del álbum es reflexivo, primero hacia afuera y luego hacia adentro, el problema es que ambas secciones no tienen mucho que ver entre si y producen un contraste demasiado evidente, ahora, esto no sería tan incómodo si las canciones en su contexto funcionasen, lo cual solo ocurre a goteos. 

La partida del álbum, por ejemplo, lenta y poco atractiva. El formato es de banda rock tradicional (vuelven las guitarras, batería y banda) pero a "Despierta" le falta ira, le falta garra para ser un verdadero llamado a la subversión y la pasada por "Más alto que nosotros solo el cielo/Salvavidas/Los inmortales" es demasiado espesa, las letras resultan interesantes pero musicalmente los temas son muy planos, falta algún quiebre en las estructuras por lo que las canciones, sin ser malas, acaban agotando. "Prisioneros" marca la primera pausa del disco y curiosamente es de lo que mejor funciona en esta primera parte. Una balada muy sentida, que parece ser sacada del repertorio de Las consecuencias pero que logra conectar. A partir de acá el álbum comienza a funcionar y vive sus mejores momentos gracias a la apocalíptica "Habrá una guerra en las calles" , la rockera "Destrucción masiva" y la íntima "El cambio y la celebración". La primera parte del trabajo cierra con "Hijo de Cortés", un buen salud "con chelas y pisco" dirigido la hermandad entre los distintos países, con menciones a Fujimori y Pinochet incluidas.  

La recta final del álbum cambia el tono e incluso el sonido que este venía sosteniendo. "Mar de dudas", la melancólica "De verdad lo siento", "Nostalgias imperiales" y "Plano secuencia" suenan más clásicas dentro de lo que es el repertorio de Bunbury. Lamentablemente el tono nuevamente se vuelve muy espeso y lento, de manera que el final a cargo de "Causalidades" y "Todo" nuevamente agota. Me queda la sensación de que el hombre quiso meter al disco todo lo que tenía (nada nuevo en todo caso, a la mayoría de sus discos le sobran temas) con la intención de darle contundencia pero terminó logrando precisamente lo contrario. 

Palosanto con 4 o 5 temas menos, sin ser brillante, era un mejor disco. Además, la promesa de entregar un álbum más actual creo que se queda a medias cuando en la última parte de este volvemos a escuchar los mismos guiños de siempre. Creo que Bunbury se propuso el realizar un álbum de metas más exigentes que los anteriores, un álbum donde no le cantase todo el tiempo al personaje pero en el global no lo logró. Se extrañan sus tiempos realmente osados, una semana atrás, luego de mucho tiempo me puse Radical sonora (1997) y como lo disfruté... 

3 / 5 
Bueno, cumple.


sábado, 16 de noviembre de 2013

Sepultura // The Mediator Between Head And Hands Must Be The Heart // 2013

En caída libre hacia el desencanto

Siempre defendí la valentía que mostró Sepultura tras la partida de Max Cavalera. Y si bien los primeros discos de aquella nueva etapa no me convencieron (ni Against, Nation ni Roorback me enganchan hasta el día de hoy), si me merecía respeto el que los tipos siguiesen adelante guiados por una potente convicción musical y no, como tantos otros, solamente por el valor de la marca. Ahora, luego de aquel vacilante comienzo la agrupación encontró en el notable Dante XXI  (2006) y el aceptable A-lex (2009), los mejores momentos de la banda durante esta etapa con Derrick Green en las voces. En 2011 llegó Kairos (ya sin Igor Cavalera en la batería), un disco correcto que dejó de lado la experimentación para adentrarse en sonidos más directos y este 2013 nos encontramos con un álbum que mantiene aquella linea e incluso pretende sonar más extremo aún, The mediator between head and hands must be the heart (primera y ultima vez que escribo el maldito título) debe ser el disco que posee más guiños al death metal de los inicios de Sepultura, el problema es que el álbum peca en donde mismo pecó Kairos, es decir, al intentar ser más directo, el sonido de la banda pierde diversidad y con el correr de los temas se vuelve tremendamente monótono. 

Lo mejor del trabajo está en lo brutal que suena la partida. "Trauma of war" y "The vatican" son dos temas increíbles en donde Eloy Casagrande (el reemplazante de Igor en batería) se luce realizando un trabajo extraordinario y Derrick Green logra llevar sus registros al extremo. Más adelante el álbum insistirá sobre temas veloces y densos, todos en la misma dirección por lo que cuesta encontrar matices, destacan, por ejemplo, los interesantes juegos de percusiones en "Manipulation of tragedy" o las pausas que presenta "Grief" pero en general el disco no presenta variedad, limitándose básicamente al abuso del doble pedal y al peso que entregan las guitarras de Andreas Kisser

Ni Kairos ni este nuevo álbum son malos de plano, el problema es que se visualiza un agotamiento y una falta de ideas que espanta. Algo similar a lo que le ha ocurrido a Max Cavalera con el nuevo disco de Soulfly, no alcanza a quedar completamente claro lo que persiguen con cada nueva entrega...

2.5 / 5
Monótono


martes, 12 de noviembre de 2013

Electrodomesticos // Se caiga el cielo // 2013

¡Al fin!

El misticismo que en Chile ha generado el nombre de Electrodomesticos me parece muy propio de aquellas bandas que duraron poco. La banda liderada por la siempre singular voz de Carlos Cabezas editó solo dos discos durante los 80's pero estos bastaron para marcar un camino dentro de lo que fueron las corrientes alternativas de ese entonces y dejar de paso el mito instalado, muchas bandas de hecho los han citado como principal influencia (un ejemplo: Lucybell) . A partir de la separación (en 1992) Carlos Cabezas se dedicó durante años a vivir del nombre, colaboraciones varias, uno que otro disco en solitario (siendo El resplandor de 1997 su obra más destacada) y la eterna promesa del regreso de su banda madre. Finalmente en 2004 Electrodomésticos volvió de la mano de La nueva canción chilena, un álbum cargado a la experimentación, material muy intelectual pero que en el global lo sentí solo como masturbación. Este 2013, a 9 años de aquel fallido regreso me parece que nos encontramos al fin con un gran álbum de Electrodomésticos... ¡Al fin! 

En Se caiga el cielo se percibe el que la banda compuso pensando en quien escucha. No es un disco de pop ni nada por el estilo, están presenten los guiños experimentales propios del sonido de la agrupación pero los temas son potentes y enganchan gracias a la diversidad que presentan en su sonido. El disco nunca se empantana, lo cual se agradece. Los ambientes son intensos y aquello se aprecia desde la partida a cargo de "Se caiga el cielo" (la canción), muchos juegos vocales, guitarras y baterías electrónicas que motivan a seguir escuchando. Más adelante disfrutaremos de verdaderos temazos que se mueven en la misma linea, ahí juegan "Fe de carbón" (de lo mejor del disco) o la inquietas/robóticas "Solo nombrar" , "Malvados" o "La muerte que te vio nacer" (otro momentazo del álbum), por cierto, el trabajo en baterías de Edita Rojas es exquisito en cada uno de esto temas e incluso me atrevería a decir que parte importante del atractivo sonido que posee el álbum es debido a su labor

Se encuentran medios tiempos interesantes en la fantástica "Detrás del alma", "Corazón" o "Donde sueñas" y de igual forma el disco trabaja ambientes más íntimos en "Besar adios" o en el cierre a cargo de la dupla "Los pasos que dejaste caer/Devolver". En general, como mencionaba anteriormente, el disco es diverso, interesante y funciona. Los tipos se han concentrado en equilibrar la experimentación con componer grandes canciones y vaya que lo han logrado. Probablemente este sea el mejor disco chileno de este 2013, un álbum que siento que llega para reivindicar a Electrodomésticos y sobretodo la figura de Carlos Cabezas, un tipo que sin este disco me tendía a parecer tremendamente sobre valorado...

4 / 5 
Excelente!