CREO QUE LA VIDA NO ES MÁS QUE UN CRUCE DE MÚLTIPLES VARIABLES. SIN EMBARGO, FRENTE A DICHA ALEATORIEDAD, LOS SERES HUMANOS TENEMOS EL PODER CADA DÍA DE CREAR O DESTRUIR. DE ENTREGAR O RETENER.Y ESTE SITIO ESTÁ DEDICADO A TODOS QUIENES HAN OPTADO POR CREAR, SEA DONDE SEA...
Dentro de la escena metalera, el multi-intrumentalista canadiense Devin Garrett Townsend debe ser uno de los personajes que más ha llamado la atención durante los últimos años. En poco más de una década el tipo ha editado una cantidad de material impresionante, todo bajo proyectos diferentes (con esta, son 4 las bandas que ha formado), paseándose por una multiplicidad de estilos (la mayoría ligados al mundo del metal eso si) y haciendo gala de un talento que por estos días cuesta encontrar en tales magnitudes. No, no estoy exagerando. Los invito a internarse en el universo sonoro de Townsend para que comprendan que mis comentarios no son mero delirio.
Epicloud vendría a ser el 5to trabajo a cargo del David Townsend proyect. Antes había realizado algo similar con David Townsend band, etapa que se cerró en 2007 con un magnífico disco conceptual titulado Ziltoid: The omnicient (disco que puedes pasar a descargar acá). Han pasado 5 años desde aquel gran trabajo y Townsend mejora lo que parecía inmejorable, lo más increíble es que lo hace desde una vereda musical completamente diferente.
El álbum da la partida con un coro gospel que de inmediato te deja perplejo y cuando aún no logras comprender hacia donde va esto aparece la voz dulce/angelical/hermosa de Anneke Van Giersbergen (invitada de honor a lo largo del álbum, las malas lenguas dicen que hay onda más allá de la música entre estos dos) quien repite una y otra vez un maravilloso "I love you, I need you, I've always been around you..." .A partir de acá el disco se paseará por un abanico de estilos que impresiona tanto por su variedad como por el trabajo de arreglos que muestra segundo a segundo, Townsend se muestra creativo a rabiar y un perfeccionista innato.
El lado progresivo del sonido de Townsend aparece en canciones como "North true", la magnífica "Grace" o ese espectacular cierre a cargo de "Angel". Todas ellas se caracterizan por los cambios constantes y un sonido potente que te envuelve constantemente gracias al excelente trabajo de guitarras que se entrelazan con múltiples capas vocales (cada aparición de Anneke es superlativa).
También hay espacio para un metal más directo y dinámico en temas como "Liberation", "Kingdom" o "More!", mientras que la calma y las guitarras acústicas se establecen con las íntimas baladas "Where we belong" o "Divine". Mención aparte para la completa experimentación que existe en el sonido new age de "Save our now". Momento esplendido se vive con esta última, donde Anneke vuelve a lucirse y Townsend demuestra lo grande que es al lograr internarse en terrenos completamente ajenos al metal (una especie de mezcla entre Duran duran y Pet Shop Boys) y salir bien parado.
Estamos frente a un disco enorme (en el real sentido de la palabra), épico de comienzo a fin, lleno de grandiosos detalles instrumentales y vocales que hablan de un autor que claramente está por sobre la media. Epicloud se aleja un poco del metal y probablemente no guste tanto en aquellos fans tradicionales del estilo pero encantará a quienes aman la música sin importar por donde esta transite. Claro aspirante a disco del año.
Lo nuevo de Animal Collective era para muchos (me incluyo) uno de los lanzamientos más esperados de este 2012. Y es que tras su anterior trabajo inevitablemente las expectativas quedaron muy arriba, para muchos Merryweather post pavillon (2009) fue una maravilla moderna, una obra de arte enorme mientras que para otros fue un montón de ruido irregular y sobre valorado(Si aún no lo has oído puedes descargarlo acá). Sea como sea había que verificar si el colectivo animal era capaz de seguir escalando o simplemente habían tocado techo. Y bueno, tras 3 años de silencio finalmente nos han entregado un trabajo que, tal como era de esperar, mandó la presión a volar y simplemente viajó hacia donde sus autores quisieron que volase.
La primera señal positiva que entrega Centipede Hz es la de no sonar a nada esperable. Si Merryweather post pavillon utilizó la electrónica como un generador de ambientes cargados a la psicodelia acá el asunto va por las percusiones y estructuras bastante más reconocibles que las trabajadas en el pasado por la banda. Entonces, si bien la comparación entre obras es tan odiosa como inevitable, me parece que esta nueva entrega posee el mérito de lograr resaltar por méritos propios.
Un golpeteo incesante da la partida en "Moonjock" y notamos de inmediato que esta vez los palos van por el lado de la dinámica, de los ritmos inquietos en lugar de las atmósferas, "Today's supernatural" y sus delirantes juegos vocales confirman esta sensación. Más adelante las excelentes "Applesauce" (mi favorita del álbum) o "Father time" se moverán en la misma linea mientras que "Rosie Oh" probablemente sea lo más tradicional y melodicamente reconocible que escuchemos en el disco. La verdad es que ya con las 6 primeras canciones Centipede Hz te entrega suficiente material como para sentirte satisfecho.
Tras el séptimo tema, cuando deberían aparecer los "descartes" (los temas de relleno), en realidad lo que acá se desata es la experimentación. Se aprecia en los casi 7 minutos de "Monkey rishes" o en la exquisita electrónica de "Mercury man" el afán de la banda por dar rienda suelta a los juegos de sonidos y vocalizaciones. El nivel nunca baja y el disco finaliza muy bien.
Estamos frente a un manjar de agrupación, los Animal Collective siguen sonando creativos y no han temido el llevar su sonido hacia estaciones novedosas. No sabría objetivamente medir si Centipede Hz es mejor que Merryweather post pavillon ( a mi me ha gustado más eso si) lo que si tengo claro es que es un buen disco, muy diferente a su antecesor.
Silent alarm de Bloc party fue uno de los discos debut más sólidos de la pasada década (si aún no lo has oído, acá lo tienes), sin embargo, las buenas criticas con estos británicos duraron poco ya que sus siguientes arrebatos, cargados a una caótica electrónica, causaron indigestión en medio mundo. Si a eso agregamos el que durante 2011 se hicieron públicas las disputas que existían al interior de la banda, en donde se llegó a hablar incluso del alejamiento Kele Okereke (voz), el panorama no pintaba bien para Bloc party por ningún lado.
No sabemos si los rumores de ruptura fueron reales o una mera estrategia publicitaria que perseguía generar ruido e interés, el punto es que de pronto surgió la noticia de que la banda seguía unida y que editaría Four, álbum que (como suele ocurrir) sus integrantes calificaron como "lo mejor que hemos hecho en mucho tiempo". Y bueno, la verdad es que tan lejos no andaban. Four no supera a Silent alarm pero, sin ser un disco extraordinario, recupera por momentos el nivel que Bloc party había extraviado desde hace bastantes años.
La partida con "So he begins to lie" te habla de inmediato de un álbum cargado a un rock directo, sucio en su sonido y sin demasiados adornos. Más adelante "3x3", "Octopus", o "Ketting" (que con sus guitarras me recordó algo el "Where is my mind?" de Pixies) se moverán en la misma linea. El trabajo incluso encontrará momentos caóticos con "Coliseum" o en ese ruidoso (e incomprensible) cierre de disco a cargo de "We are not good people"/"Clack crown". La calma aparecerá con medios tiempos más melódicos tales como "Real talk" o "Day four" y el sonido inquieto de su primer trabajo se intentará recordar en canciones como "V.A.L.I.S" o "A Team".
El problema que se palpita en Four es que pese a ser un álbum efectivo por momentos, el el global suena desordenado. Si tuviese que definirlo en una palabra diría que se trata de un trabajo visceral, uno de esos que disparan al hueso y no se preocupan demasiado por los resultados. El álbum se mueve por diferentes estados pero en realidad no desarrolla ninguno a cabalidad, lo cual, al finalizar el disco te deja una sensación de incertidumbre. No es un mal disco pero tiene un olor a final impresionante...
Genio moderno para algunos, un pomposo pedante para otros. Lo cierto es que, a estas alturas, Matthew Bellamy es un personaje que a nadie deja indiferente. El líder de Muse generó buenas críticas y aceptación masiva tras la edición de Absolution (2003) y Black hole and revelations (2006) pero en 2009 cayó en la auto complacencia con The resistance, un disco en donde el tipo se cantó a si mismo todo el tiempo y las direcciones fueron poco claras. Hoy lo tenemos de regreso junto a su banda y un álbum dispuesto a callar las críticas, a no dar espacio alguno a los haters. En ese sentido The 2nd law corrige absolutamente todos los errores que la banda cometió en The resistance y posiciona de regreso a Muse entre las grandes bandas de la última década.
Todos los discos de Muse (excepto The resistance) comenzaron con uno de esos temas colosos y The 2nd law retoma aquella tradición de la mano de "Supremacy", una partida imponente que llega para poner las cosas en su lugar, con tiempos que varían y arreglos orquestales que recuerdan a Led Zeppelin. Ahora, la majestuosidad de "Supremacy" contrasta con la sutileza de "Madness", una maravilla susurrada que comienza a lo Prince para terminar reventando y tributar a U2 en los agudos y melódicos coros finales. Sencillamente perfecto, pero como si todo esto fuese poco "Panic station" vuelve a reinventar el sonido de Muse. Un bajo que pasaría perfectamente por Red hot chili peppers , un riff de guitarra que recuerda a INXS y un solo a lo John Frusciante, todo aquello adornado por la inspiradísima voz de Bellamy. Sorprende la cantidad de influencias que muestra Muse, son todas tan sutiles como diversas, sin embargo, la banda posee el mérito de trabajarlas de tal manera que estas nunca huelen a plagio (al menos no esta vez).
Y bueno, tras una introducción instrumental aparece "Survival" y junto con ella toda la enormidad (muy Queen claro está) que suele desatar Bellamy de vez en cuando (en The resistance claramente abuso de ella). En lo personal, dentro del contexto de The 2nd law, "Survival" me vino bien. Sobretodo considerando que le sigue "Follow me", un tema completamente diferente en donde Muse coquetea con el dubstep y sale bien parado. Una de esas canciones que crecen lentamente y que con poco logran muchísimo. Posteriormente, con "Animals" el álbum encuentra su mejor momento. Un teclado muy Radiohead da la partida y encuentra de inmediato a una banda que se muestra inspiradísima. Tremendo momento.
Para el final del disco aparece lo más normalito de este. "Explorers" y "Big freeze" quizás no son tan malos temas, sin embargo, el disco venía tan arriba que este par de canciones no te dicen mucho. Luego aparece la sorpresa, con Chris Wolstenholme (bajista de la banda) aportando con dos composiciones, "Save me" y "Liquid state", ambas de un nivel más que aceptable y finalmente suenan dos instrumentales que en realidad no se muy bien que pintan en el disco. Me refiero a "Unsustainable" y "Isolated system". Creo que con una de las dos bastaba y sobraba, ambas seguidas fue un exceso de esos en los que Bellamy suele caer.
El único defecto que le puedo encontrar a The 2nd law es que hasta el séptimo tema es un disco absolutamente perfecto pero el final es algo irregular. Ahora, exceptuando aquel punto, estamos frente a un disco excepcional, bien trabajado, repleto de deliciosas influencias y tremendas composiciones. No es el mejor disco de Muse pero sin duda alguna uno de los mejores de este 2012.
Tras un comienzo de carrera comercialmente exitoso, el momento de la verdad para The Killers ha llegado y tal parece que la banda no tiene intención alguna de ir muy lejos con su sonido. Hasta ahora se habían conformado con mantener y estirar la fórmula del coro pegajoso, asunto que por cierto trabajan bastante bien y esta vez, con Battle born, lo han vuelto a hacer sin vergüenza alguna. En ese sentido este disco me recordó muchísimo al de Keane (también editado este 2012) ya que me vuelvo a encontrar con una banda que pareciese tener potencial para entregar algo más pero que termina conformándose con presentar lo obvio.
Ahora, siendo igual de claro, Battle born es un disco que tras repasarlo canción a canción resulta imposible odiar. Tenemos temas muy dinámicos como la pegajosa partida a cargo del combo "Flesh & bones"/"Runaways" (esta última destinada desde ya a convertirse en un neo clásico de la banda), o el auto plagio descarado de "A matter of time" (una copia calcada de "Somebody told me", un viejo hit de la banda), así como aparecen los medios tiempos en "The way it was" e incluso las baladas como "Here with me". Todo esto muy bien arreglado en donde cada cosa se encuentra en su lugar. El disco es claramente comercial, sin embargo, no es un mal álbum, los temas defienden bien la propuesta que suele ofrecer The Killers. El problema es que, tras 10 años de carrera, sentir que la banda recurre al auto plagio una y otra vez tiende a cansar.
Battle born no aporta nada nuevo a la carrera de The Killers salvo unos cuantos buenos puentes y coros que en una pasada rápida no desagradan. Probablemente los fans de la banda quedarán satisfechos mientras que el resto masticaremos un rato estas canciones para rapidamente dejarlas en el olvido.
Conquest Of The Planet Of The Apes (1972)
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Género: Ciencia ficción
Dirección: J.Lee Thompson
Protagonistas: Roddy McDowell, Don Murray, Ricardo Montalbán
Duración: 90 minutos
Año: 1972
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